alvaro oliva

De nuevo los trailers vuelven a jugarnos una mala pasada. Y digo esto porque nos estamos cansando de ver películas que no son lo que esperamos. Habrá gente que diga que eso es marketing y que han logrado su objetivo: que compre el producto (en este caso que vaya al cine). Pues bien, por un lado su maniobra es eficaz pero también es negativa para ellos porque puede hacer que mucha gente por el tipo de trailer se eche para atrás y si en cambio supiese como va a ser la película podría haber acudido a verla.

He de decir que «The Wicker Man» se trata de otro remake, en este caso de una película de 1973, la cual no he visto.
Bueno, el caso es que el trailer de esta nueva versión te vende tensión, sustos, espíritus y demás elementos del cine de terror y todo ello para que luego te encuentres con un cuento llevado a la pantalla que no tienen ninguno de los ingredientes citados.

El inicio parecía prometedor, ya que en los títulos de crédito podemos leer la participación de Nicolas Cage, Ellen Burstyn, Kate Beahan, Leelee Sobieski en el apartado interpretativo y a Neil LaBute en la dirección. Aparte de lo que hemos podido leer, las imágenes iniciales también nos presentan una situación que podría haber dado mucho más de sí. Nicolas Cage, que interpreta a un policía, Edward Malus, no logra rescatar (de un accidente de tráfico) a una niña ni a su madre, que acaban ardiendo tras explotar el coche en el que se encuentran. Tras esto, Malus, tiene alucinaciones y está de baja laboral, hasta que recibe una extraña carta de su exprometida, que le pide que le ayude, ya que su hija ha desaparecido. Hasta aquí todo normal, lo «paranormal» es que la niña que murió es muy parecida a la hija de su exnovia, ya que le ha enviado una foto de la pequeña. Así que el bueno de Cage, tras hacer caso omiso a los consejos de su amigo, decide ir hasta la enigmática y misteriosa isla en la que vive. Allí descubrirá que son una especie de secta, pero bueno no voy a contar más.

En todo momento te esperas que vaya a ocurrir algo de lo que nos prometieron en el trailer, pero nada de nada.
Así que el resto del metraje transcurre viendo a Nicolas Cage investigando y buscando a la dichosa niña por los prados y casas de la isla.

La verdad es que no hay aspectos que destacar, salvo la dirección artística, que recrea una especie de civilización Amish, y las localizaciones, ya que el resto de la película, siendo muy exigente, bien podría quemarse en la hoguera que tanto respetan las protagonistas del film, que salvo los productores y algún otro implicado ninguno lloraríamos la pérdida.

Todo hacía prever que nos encontraríamos con una más que interesante propuesta del director de «Atrapado por su pasado«, ya que junto a él nos encontramos con grandes nombres dentro del mundo cinematográfico, pero aun así «La Dalia negra» no consigue sobresalir como película.

Josh Hartnett, Scarlett Johannson, Aarón Eckhart y Hillary Swank bajo la dirección de De Palma y con un guión de Josh Friedman basado en la novela de James Ellroy, (quien escribió la magnífica novela «L.A. Confidencial»), nos introducen en los años cuarenta, en las calles y en los problemas que existen en la meca del cine, de la mano de un tandem de policías y buenos boxeadores como son Harnet y Eckhart (Bucky Bleichert/Sr. Hielo y Lee Blanchard/Sr. Fuego).

Un crimen desatará los círculos viciosos y las posibles bifurcaciones que deberá interpretar el bueno Bucky para llegar a resolverlo. Pero una cosa es que lo haga el personaje y otra el espectador, que a mitad de la película comienza a estar bastante perdido y que a menudo envidia a los policías que ve en pantalla, ya que necesitaría su libreta y su lapicero para poder apuntar y hacer los esquemas necesarios para no acabar desorientado.

Hay veces que una novela puede ser muy interesante, pero llevada a pantalla no tiene el mismo efecto.
En el apartado técnico nada que objetar, una buena fotografía, una dirección artística acorde con la época y con las condiciones sociales de cada personaje y con la zona en que se mueven, vestuario y demás también cumplen a la perfección.
En el apartado interpretativo la verdad es que también están correctos, un buen casting con muchos rostros conocidos y que ya hemos comentado.
Muchos se preguntarán que entonces ¿cómo es posible que el resultado no sea excelente? Y la respuesta es sencilla: el guión.
Normalmente todas las películas que vemos cuentan con profesionales que logran que la mayoría de apartados técnicos sean lo suficientemente buenos como para pasar desapercibidos, y cuando algo nos falla o no termina de gustarnos la película, suele ser por el mismo mal endémico: el guión.

En definitiva un producto de calidad del que se esperaba mucho más.
Afortunadamente la próxima semana nos llegan las nuevas películas de otros dos maestros como son Scorsese y Allen.

Oliver Stone se vuelve a poner detrás de la cámara para narrar los fatales acontecimientos que ocurrieron en 11 de Septiembre de 2001. Lo especial de esta propuesta es que se centra en dos miembros de la policía portuaria que quedaron atrapados y fueron rescatados con vida.
Partiendo de un inicio acertado, con una presentación del ataque que casi es lo mejor de la película, Stone nos muestra las vivencias de un grupo de policías capitaneados por John Mcloughlin, Nicolas Cage, que acuden a una de las Torres del World Trade Center para intentar ayudar, pero que al cabo de unos minutos de entrar, tienen la desgracia de que se derrumbe encima de ellos el edificio, como todos ya vimos en las escalofriantes imágenes que nos dio la televisión. A partir de este punto, la película transcurre en un sin vivir de las familias de los dos afectados, que se preguntan si sus maridos y padres (respectivamente) estarán vivos. En estos roles se encuentran Maria Bello como la esposa de Cage y Maggie Gyllenhall de Michael Peña. Como podréis suponer, sus personajes son bastante típicos, mujeres angustiadas por su parte y por la de ellos, policías atrapados debajo de cientos de escombros esperando que llegue ayuda, y dándose apoyo mutuo para no dormirse, temiendo no despertar si lo hacen. Debido a esto, el guión de Andrea Berloff se convierte en una historia aburrida y previsible que nos salpica con continuos flashbacks y acciones paralelas, mientras el metraje avanza de manera soporífera.
Un hecho que me ha sorprendido y que no veo justificación, es el hecho de que por qué lleva María Bello esas lentillas azules tan cantosas, no sé si habrá alguna explicación racional para ello, porque en ninguna otra de sus actuaciones ha recurrido a ello. Dejemos estas anécdotas para continuar con World Trade Center, y decir que la nueva película de Oliver Stone no sorprende por ningún sitio, que lógicamente tiene algunos momentos muy buenos y que llegan a la fibra sensible del espectador, como cuando Will Jimeno (Michael Peña) le pide al equipo de rescate que actúen de manera más rápida para poder ayudar a McLoughlin con su consiguiente consecuencia, pero aparte de ese y alguno más, nos encontramos con otros que sacan totalmente al espectador de su butaca, logrando que las sonrisas y los comentarios se alcen sobre el sonido de la pantalla, y un claro ejemplo de esto es la aparición de Jesucristo en una de las alucinaciones de Jimeno.
En definitiva un fiel relato de lo que vivieron los dos supervivientes, pero que cinematográficamente deja mucho que desear y que podría haberse mostrado de distinta forma, aunque hubiese que alterar un poco los acontecimientos, porque aunque cueste decirlo, el cine está enfocado para el público y no para el deleite del director exclusivamente.

La verdad es que la nueva producción de Santiago Segura tiene un buen gancho: él.
A partir de ahí y con un trailer que me hizo interesarme por esta nueva propuesta, me acerqué a la sala para lo que pensé iba a ser una comedia interesante, pero nada más lejos de la realidad. La película de Óscar Aibar se convierte en una historia bastante anodina y simple, que pese a tener un par de momentos buenos, no nos deja un buen sabor de boca como nos ocurrió en anteriores propuestas del director de Evilio.
Y uno de esos buenos momentos, es el protagonizado por el actor y director cántabro Nacho Vigalondo. A modo de cameo y en la misma sala de juegos subterránea en la que se desarrolló Choque (su último cortometraje), encarna al lider de un grupo de pijos bastante macarras. La verdad es que es un buen punto de la película y más cuando no tenía conocimiento alguno de su existencia.
Johnny (Santiago Segura) es otro personaje que nos puede proporcionar alguna sonrisa, aunque el que siempre cumple y con creces es Enrique Villén en un papel muy reducido.
Junto a estos actores nos encontramos con el elenco principal formado por Jordi Vilches, Bárbara Muñoz y Eduardo García como integrantes del equipo que se enfrentará por el campeonato de la máquina de bailar, y por último un José Corbacho convertido en un envidioso hijo de puta, muy bien interpretado.

Como defectos, decir que los que hayan jugado alguna vez con la «alfombra» que nos ofrece la playstation y sepan de qué va el tema, se encontrarán con que no concuerdan para nada sus pasos de baile con lo que aparece en la pantalla del juego, salvo en los casos en que nos muestran insertos de planos detalles de la máquina revelándonos los resultados y los puntos que van obteniendo. Por pequeño (o grande) que parezca este fallo, la verdad es que se podría haber intentado subsanar de algún otro modo, desde aprendiéndose algún tema del juego para realizar la coreografía o disimulándolo más, y digo esto porque las coreografías y los pasos que se marcan son muy profesionales (algunos realizados por dobles al verse solamente los pies, pero en otros podemos apreciar cómo los actores han tenido que aprender a moverse y coordinar sus movimientos).
En definitiva «La máquina de bailar» es una fallida comedia que no hará las delicias del público, salvo de los adoradores de Santiago Segura y algún que otro espectador muy complaciente.

Michael Mann se encarga de llevar a la gran pantalla las andanzas de Sonny Crockett y Ricardo Tubbs, que ya estuvimos acostumbrados a ver en los años ochenta y que gracias a Internet podemos recuperar siempre que queramos. Pues bien, el director de las exitosas «Heat» y «Collateral» nos presenta las aventuras de este par de policías, que sin quererlo ni beberlo se ven envueltos en una red de narcotráfico, lo que les da la posibilidad (que no dudan en aceptar) de encargarse de un caso mucho más importante que el que tenían entre manos. Así comienza de alguna manera esta nueva obra del creador de «El dilema».

Para ello ha contado con dos grandes actores, uno a nivel actoral y otro a nivel taquillero principalmente, como son Jamie Foxx y Colin Farrell respectivamente. De hecho el segundo me ha sorprendido más, ya que el reciente ganador de un oscar (por Ray) ha demostrado de lo que es capaz en numerosas ocasiones y registros. Pues bien, la sintonía de ambos en pantalla es buena, sobre todo con sus respectivas mujeres, y aquí llega uno de los puntos fuertes de la película: Gong Li. Esta atractiva actriz nos presenta un personaje muy interesante, con el que Sonny Crockett comenzará a jugar y ya se sabe que quien juega con fuego…

Mann continua con el estilo visual que ya nos presentó en Collateral, alternando las cámaras de cine con cámaras de alta definición, dotando así de una sensación distinta que de algún modo nos acerca más a la acción, a tiempo que seguramente le facilitó mucho el nivel de iluminación en esas condiciones, aligerándole y agilizando un rodaje complicado.

Es interesante la participación del actor español Luis Tosar. Parece ser que a Mann le gustan los villanos encarnados por actores de nuestro país, ya que en la cinta protagonizada por Tom Cruise, y el propio Foxx, recurrió al gran Javier Bardem.
Es una pena no haber visto «Corrupción en Miami» en versión original, ya que así hubiésemos podido disfrutar y captar mejor sus expresiones, más aún cuando hay muchas en nuestro idioma, pero es algo a lo que ya estamos acostumbrados, aunque todo sea cierto, el papel de Tosar tampoco tiene grandes dimensiones, pero aun así cumple.

La película comienza con acción y termina del mismo modo, y aunque en medio no hay acción «palomitera» no deja de ser un producto muy interesante, en el que los personajes se desenvuelven por esas junglas, conociendo a todo tipo de personajes. Muy buena, aunque típica, escena de «numerito» en la que Colin monta el show a uno de los malos para que así acepten a trabajar con ellos. Un ejemplo de esto lo vimos con el mencionado Bardem en «Boca a boca» aplicado a los castings. Volviendo a la película que nos ocupa, Mann concede alguna tregua en la acción, mostrándonos los desarrollos que sufren los personajes, motivados especialmente por el sexo opuesto, ya que es uno de los motores del film.

Hay que destacar la última secuencia, compuesta de dos localizaciones principales: las caravanas y el puerto donde se va a hacer la entrega. Mann, con pulso, nos posiciona en el cuerpo de Ricardo Tubbs, y compartimos los sentimientos ante un hecho como el que tiene delante y luego de manera más débil en la de Sonny, aunque logran uno de los mejores fragmentos de la película.

En definitiva «Corrupción en Miami» no es la mejor obra de este director, y tampoco mantiene el ritmo de «Heat» y «Collateral» pero no deja de ser una propuesta muy interesante del panorama cinematográfico actual, aunque está claro que para los espectadores más «palomiteros» que esperan grandes explosiones esta versión de «Miami Vice» se les puede hacer descafeinada.

Jack Sparrow vuelve a las andadas y esta vez nos presenta una nueva aventura en la que vuelve a poner su vida en peligro. Junto a él, nos encontramos con Will Turner y Elizabeth (Orlando Bloom y Keira Knightley) quienes ya nos hicieron disfrutar en la primera entrega, y que irremediablemente vuelven a cruzarse en el camino del intrépido pirata, para deleite de todos los espectadores.

El cofre del hombre muerto no difiere mucho de la maldición de la perla negra, así que nos encontramos con los mismos mecanismos, por lo que los que disfrutaron con sus aventuras volverán a hacerlo en esta ocasión. Hay que destacar la figura del malvado Davy Jones, quien tiene una gran presencia en la pantalla y ayuda a creernos todo lo que estamos viendo.

En los apartados técnicos no hay nada que objetar, es más, en los visuales esta nueva entrega es espectacular. Su propósito lo ha conseguido y con nota.

Así que no nos queda más que sumergirnos en las profundidades del océano y esperar a que la Perla Negra nos recoja en esta esperada tercera parte, que de paso nos concluirá esta segunda, que muy sabiamente (el dinero es el dinero) nos ha dejado con las ganas de saber que ocurre con Davy Jones y compañía.

Suele ocurrir que cuando alguien pone las expectativas muy altas te lleves un bajón o simplemente no las cubra, y esto es lo que me ha ocurrido con la nueva película de Paul Greengrass.
«Domingo Sangriento« me parece brutal, de las mejores películas que se han hecho en los últimos años. Y claro, con este precedente y el cartel repleto de críticas que la ponen como la mejor película del año pues… pasa lo que pasa. Esto no quiere decir que «United 93« sea mala, ni aburrida, solo que un servidor esperaba más de un director que es capaz de hacer maravillas.
En el guión hay dos partes diferenciadas: la que atañe al interior del avión y la que nos muestra el caos que se produce en el resto de lugares, ya sean aeropuertos y centros de control. Y es aquí dónde una me seduce completamente y otra no. La negativa es la del interior del avión, la cual me parece más forzosa y menos creíble. La que te da mas sensación de película, en cambio la parte de los controladores, de los responsables del ejército y demás camaradas hace que realmente te creas que estás viviendo eso en directo, como ocurría en «Bloody Sunday« y es una lástima porque de haber logrado convencer y mantener la sensación que nos transmite en las citadas localizaciones, si que nos encontraríamos ante la mejor o una de las mejores películas del año.

No obstante es una gran e interesante película.

La verdad es que me acerqué al cine sin haber jugado a ninguna de las partes del famoso videojuego, simplemente porque el argumento y la estética de la película me atraían y pensé que podría ver una producción entretenida (buena sería demasiado pedir) pero me equivoqué por completo.
Silent Hill me parece una de las peores películas que he visto en los últimos años. Hay algunos aspectos que están muy logrados, como los efectos y la fotografía, pero aun así no logran cambiar mi calificativo.
Se hace pesada, personajes absurdos, guión (¿?) confuso que requiere de una gran explicación aún después de habérnosla hecho un personaje, criaturas que no vienen demasiado a cuento (supongo que en el videojuego sí), un paralelismo de mundos, situaciones que te dejaban frío totalmente. Y digo todo esto porque es curioso que teniendo a Christophe Gans (crying freeman, el pacto de los lobos), Roger Avary (Las reglas del juego, Killing Zoe, guionista de Pulp Fiction)y Dan Laustsen (Mimic, El pacto de los lobos) como director, guionista y director de fotografía respectivamente, se haya creado un producto tan malo.
Hay algunos aspectos como he dicho que se salvan de la quema, y entre ellos nos encontramos con su reparto: Radha Mitchell (Melinda y Melinda) y Sean Bean (Boromir en El señor de los anillos) demuestran que son unos actores muy interesantes y que se entregan, ya que han sabido recrear las vivencias de tan atormentados padres.

En definitiva un producto fallido que no merece más comentarios.

Al principio pensé que se trataba de un remake de Aullidos, de Joe Dante, pero parece ser que no, y que solo se trata de la traducción, ya que en versión original su título es The Breed.

Alejándonos de los licántropos, en esta Aullidos las criaturas no dejan de ser feroces perros que han sido expuestos a algunos experimentos. El argumento es bastante típico: un grupo de amigos van a pasar unos días a una cabaña en medio de una isla «desierta». De repente se darán cuenta que no están tan solos como creen, y que el mejor amigo del hombre se encuentra pululando en las inmediaciones.
Wes Craven, toda una institución, produce esta película que dirige Nick Mastendrea, uno de sus pupilos, y que me ha sorprendido, ya que en esta ocasión hay personajes que no son meras marionetas estúpidas. Si ya en Scream Williamson y Craven nos daban las pautas y analizaban los tópicos del cine de terror, mostrándonos como siempre el personaje femenino sube las escaleras en vez de salir por la puerta, en Aullidos los personajes piensan y actúan, lo cual tal y como está el patio es bastante de agradecer. Es cierto que el argumento es bastante simple pero no deja que nos relajemos, manteniendo un buen pulso y un ritmo muy acertado, una vez se ha terminado la presentación de los personajes, que sí, que puede ser demasiado larga, pero no deja de ser interesante.
Michelle Rodríguez encabeza el reparto junto a Oliver Hudson, hijo de Goldie Hawn y al que hemos podido ver en la serie Dawson crece.
Junto a los actores se encuentran los otros grandes protagonistas, los perros. Hay que felicitar al equipo de adiestramiento porque la verdad han logrado un trabajo excelente.

En definitiva Aullidos de Wes Craven es otra de tantas películas de género que llegan a nuestras pantallas pero con el acierto de contar con unos personajes de carne y hueso, que piensan y se comportan como todos creemos que lo haríamos en la vida real.

Wolfgang Petersen se atreve con un remake, aunque él diga que solamente se ha tomado la idea inicial, de la película de 1972 «la aventura del Poseidón«. No cabe duda que uno de los principales atractivos de esta propuesta son sus efectos especiales, y no cabe duda de que con los presupuestos de la misma, se ha conseguido crear algo excepcional. Lamentablemente el dinero no ha logrado crear un buen guión, ya que aunque comienza de forma atractiva y con fuerza (a los cinco minutos ya ha impactado la gigantesca ola) en lo sucesivo se echan muchas cosas en falta. Pero vayamos poco a poco. En este inicio conciso, Wolfgang ha abreviado el pasado de cada personaje, logrando que con varias pinceladas conozcamos como son y de qué pie cojea cada uno, lo cual les convierte en unos personajes un tanto típicos.
He de decir que siento predilección por Kurt Russell (ya que ha protagonizado varias de mis películas preferidas) y en esta nueva aventura cumple perfectamente el papel encomendado. Junto a él nos encontramos con Josh Lucas, Richard Dreyfuss y Emmy Rossum entre los más conocidos, realizando unas interpretaciones bastante normalitas, ya que el guión tampoco da para más. Hay una escena que recuerda, bueno es calcada, a la superproducción de Michael Bay Armageddon, pero no vamos a destriparla.
Hay que hacer una mención al diseño de producción y al sufrido rodaje, ya que recrear las entrañas del barco y rodar en esas condiciones no es nada fácil, y aunque aquí estamos para criticar y comentar, no hay que olvidar lo complicado que es hacer creible ciertas situaciones y más si son tan difíciles como estas.
En definitiva «Poseidón« es una buena película para pasar la tarde agarrado a la butaca, no apta para claustrofóbicos y que hace que nos dejemos llevar por las aventuras de este pequeño grupo, que se debate entre la vida y la muerte, durante una hora y cuarenta minutos.