alvaro oliva

Precedida por unas buenas críticas, nos llega la nueva propuesta de Judd Apatow que comparte muchos ingrediente con «Supersalídos« (una de las sorpresas de la temporada), pero que a diferencia de ésta, «Lío embarazoso« no logra satisfacer mis expectativas.

Pese a tener momentos muy buenos, tanto humorísticamente como sentimentalmente, y actores tan interesantes como Katherine Heigl y Seth Rogen, la historia no acaba de cuajar del todo.

Es muy buena una de las frases que pronuncia el protagonista en la parte final, cuando ve cómo su vida ha dado un giro completo, y también la moraleja si te paras a pensar en lo que ha logrado y supuesto el azar, la casualidad y la mala suerte en Ben Stone y Alison Scott (los personajes protagonistas).

También podemos apreciar la vida en pareja, con sus pros y contras, pero en una fase posterior y algo más adulta, en la formada por Paul Rudd y Leslie Mann.

Comparando esta película con el resto de propuestas, no queda por debajo, ya que la comedia no está en sus mejores momentos, así que puede llegar a defraudar a los cinéfilos y cinéfagos que esperen algo bueno (más a los primeros que a los segundos) pero aun así, «Lío embarazoso» contiene pequeñas dosis de amor, humor y ternura, que hacen que verla no suponga un error.

Como curiosidad, bien podríamos encontrarnos con un flashback o flashforward (o precuela/secuela) de la vida de los personajes de Seth Rogen y/o Jonah Hill en «Supersalidos», viendo en lo que se han convertido o convertirán, ya que Seth Rogen se habría podido convertir en policía y así ayudar a McLovin, al sentirse identificado con él (como confiesan los dos polis en «Supersalidos») o Jonah acabar siendo un «fumeta» que no hace nada más que estar con los colegas, tras haber perdido a su mejor amigo y no haber podido ir a la misma universidad.

En fin, divagaciones de un cinéfilo/cinéfago.

La nueva propuesta gamberra de la temporada, se nos presenta como una comedia que va mucho más allá de las típicas películas de adolescentes con ganas de ligar.

El principal acierto de «Supersalidos« son unos personajes creíbles (y con los que nos identificamos fácilmente) perfectamente encarnados por tres actores muy peculiares.

Los guionistas (Seth Rogen y Evan Goldberg) se basaron en sus propias vivencias para dotar de realismo esta historia de amistad, en la que la universidad se presenta como un reto y obstáculo para los amigos de cualquier instituto americano, ya que se separarán para estudiar a muchos kilómetros de distancia.

Esta es una de las subtramas de la película, ya que la principal, es que gracias al carnet falso de Fogell, alias Mclovin (un Dios), los chicos van a poder comprar las bebidas alcohólicas de la fiesta que da Jules, y a la que asistirá Becca, las chicas de las que están enamorados.

Como he dicho, Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Martha McIsaac y el propio Seth Rogen (el principal elenco de la película), nos hacen deleitarnos con unas interpretaciones gamberras, a la par que profundas, en las que nos subimos en una montaña rusa de aventuras, en la que ocurre de todo, convirtiéndose en una odisea para conseguir alcohol y posteriormente a las chicas.

Una de las mejores partes es la que está protagonizada por «Mclovin« y los agentes de policía. Diálogos inteligentes, bien construidos y dinámicos, que hacen que las risas estén aseguradas.

Por poner una pega, esperaba que se cerrase de algún modo la subtrama (o que nos la completasen) de Mclovin al final de la película, pero tras la de Seth y Evan, no volvió a aparecer ese personaje tan mítico, y que me recuerda al protagonizado por Charlie Korsmo en «Ya no puedo esperar«, otra película interesante que mucha gente desconoce.

En definitiva, «Supersalidos« ofrece más de lo que a priori uno puede esperar (o pensar) ante un producto de este tipo, pero esto confirma que no se deben meter todas las películas y géneros en el mismo saco, ya que de vez en cuando, uno puede encontrarse pequeñas joyas como ésta.

Juan Antonio Bayona debuta en el largometraje de la mejor manera posible, con éxito de crítica y público.

Secundado y apoyado por Guillermo del Toro, «El orfanato« nos presenta una historia que nos es conocida: madre en una gigantesca casa de campo, en la que hay sucesos extraños y con niños de por medio.

Sí, puede parecer muy típica, pero el acierto de Bayona y los suyos, es que nos hacen creernos lo que estamos viendo e identificarnos con su protagonista, Belén Rueda.

La actriz se pone el peso de la película sobre sus hombros y consigue, no solo no caerse, sino levantarla con sus brazos, ya que realiza una interpretación que ya suena como una de las mejores del año.

El cuento que ha escrito Sergio G. Sánchez, y que Bayona ha transformado en imágenes, nos deja estampas maravillosas al mismo tiempo que aterradoras, ya que si bien no abusan de los sustos y sobresaltos, hay más de uno que hará que los espectadores vibren en sus butacas.

Todos los aspectos merecen destacarse, ya que el conjunto de la película tiene una factura impecable, pero donde consiguen ganar al público es con los sentimientos que desprenden esos actores.

Hay que tener especial atención en Roger Princep, Simón, quien con poca edad logra dar frescura y naturalidad a las situaciones, y más aún, hacernos creer que realmente el personaje de Belén Rueda ha perdido a su hijo y hará lo posible por recuperarlo.

No sé si «El orfanato« acabará representándonos en la fase final de los Oscars, pero sea como fuere, ya está arrancando aplausos por medio mundo, y haciendo que los espectadores nacionales se decanten por una película española, y eso es algo que tal y como está el panorama, es un logro.

Quentin Tarantino vuelve a las salas de cine, con una joya que ha dividido a público y crítica.

Como se puede deducir, me encuentro entre los que se han dejado encandilar con su nueva propuesta, con su claro estilo, y más aun, cuando tiene a Kurt Russell como protagonista.
Sí, el marido de Goldie Hawn (y padre de Kate Hudson) es uno de mis actores favoritos, y verle en «Death Proof«, con su coche a prueba de muerte, es un punto que desequilibra la balanza.

Tomando esta película como una única (al venir separada de «Planet Terror«), he de decir que Tarantino nos presenta la misma historia dos veces, ya que son dos grupos de chicas las que se ven sometidas al macabro juego del «especialista Mike», aunque con resultados diferentes.

Si bien, me gustó más la primera de ellas, la segunda no es que se quede coja, ya que ambas están repletas de magníficos diálogos, claras referencias y guiños cinéfilos, y personajes memorables.

Otro punto que me hace inclinar la balanza, y que no sé si muchos se habrán dado cuenta, es la aparición de la camiseta que lleva Jack Burton (Kurt Russell) en «Golpe en la pequeña China«, gran obra maestra de John Carpenter, y que aparece unos segundos en el bar que regenta Warren (el propio Tarantino, que además de actuar se ha encargado de la fotografía, al igual que Rodríguez en «Planet Terror«).

Las escenas de acción tienen una importancia muy grande en la película, pero a diferencia de «Kill Bill (volumen 1)«, en la que la acción abundaba en detrimento de los diálogos, «Death Proof« nos otorga esas conversaciones tarantinianas, en las que se tocan un sin fin de temas, con una prosa como solo el director de «Pulp Fiction« sabe escribir.
Atención a Kurt Russell recitándole el poema a la «mariposa» Vanesas Ferlito, a las conversaciones de las chicas en el coche y en el bar, al gran Michael Parks y su hijo «número 1″ en el hospital, a la escena de cafetería toque «Reservoir Dogs», a la escena sobre sexo en la que Rosario Dawson parece encarnar de nuevo su papel de adolescente en «Kids«, de Larry Clark, o las conversaciones entre «especialista Mike» y Pam (Rose McGowan) antes de demostrarla que su coche hace honor al título de la película.

Hay gente que ha quedado descontenta y que se ha llegado a aburrir, si bien es cierto, que la versión que hemos visto en España es la extendida (debido a la incomprensible medida de destrozar «Grindhouse«, ya que debía de verse en todo su esplendor, y esto es junto a «Planet Terror« y los trailers falsos que crearon para el proyecto), pero aun así, «Death proof« hará las delicias de los buenos amantes de las conversaciones, de las historias algo frikis y del buen cine, ya que si algo sabe hacer Tarantino (hasta el momento), es buen cine.

Robert Rodríguez es un director que me gusta mucho, pero en «Planet Terror« adolece de hacer lo que le da la gana, homenajeando todas las películas de serie b y z con las que ha crecido, y claro, o se es muy fan o la nueva propuesta del director de «Sin City« se hace bastante insípida y por momentos aburrida.

Y digo esto, porque lo que falla es la historia. Zombies, chicas guapas, militares, típicos sureños, toque Carpenter, Bruce Willis, Rose McGowan… son elementos suficientes para hacer atractiva cualquier película, pero si el argumento es tan simple como este, el resultado es algo que no te llega a satisfacer.

Sin duda alguna, lo mejor de todo es el falso trailer (no tan falso en estos momentos) de «Machete«, que es el único que ha sobrevivido a la matanza que han hecho separando las dos películas que componen «Grindhouse«, y que incluía una gran cantidad de falsos trailers en el intermedio de ambos films.

«Planet Terror« tiene momentos divertidos y que destacan claramente como la «elipsis» que nos deja sin saber cual es el pasado de El Wray, y el por qué de su habilidad con las armas. También tiene el valor de rescatar y contar con actores míticos como Josh Brolin («Thrashin«, «Los Goonies«) o Michael Parks entre otros, pero aun así, esto no me parece suficiente como para equiparar esta obra con algunas de sus anteriores propuestas.

En definitiva, Rodríguez encandilará a todos los amantes del cine de serie b y z pero dejará un tanto desconcertados a los más cercanos al cine actual, y será aborrecido por una amplia mayoría de espectadores más comerciales.

El principal interés y razón por la que acudí a ver esta película, fue que el trailer me recordó a «El gran miércoles«, película de surf por excelencia. Gracias a esto he podido disfrutar de una interesante propuesta, en la que los efectos visuales destacan por encima de todo.

La historia es bastante sencilla, y hasta un poco absurda, ya que se centra en las esperanzas de un joven surfista y en el campeonato que tiene que disputar en escasos días. Pues bien, ese reducido periodo de tiempo podía haberse alargado hasta una duración más o menos coherente con lo que se pretende (que esté preparado para ganar el campeonato).
Pese a ello, «Locos por el surf« tiene unos personajes muy atractivos, que en la versión española están muy bien conseguidos, especialmente el pollo, doblado por Alexis Valdés.

Una novedad en este género, es que la película está contada como un reportaje televisivo, en el que se suceden entrevistas, zooms y movimientos cámara en mano que aportan «realismo» a la cinta.

No pasará a la historia como una de las grandes películas de animación, pero «Locos por el surf« hará las delicias de los más pequeños, de los amantes del surf y de los espectadores complacientes.

Markus Nispel nos presenta una película épica, que bien podría asemejarse a «Conan el bárbaro«, pero que en ningún momento llega a la categoría de ésta.

He de decir que se trata de un remake, que nos presenta las vivencias de un joven vikingo, que es abandonado en tierras americanas y adoptado por una familia indígena. Tras ser aceptado por la tribu, el chico crece hasta convertirse en un guerrero. Un día su tranquilidad (y la de los suyos) se ve resquebrajada ante la llegada de una nueva hora de salvajes vikingos.

Ante esta premisa, la gente puede pensar que verá una película trepidante (con algunos rasgos de «Apocalypto«), pero que no se engañen. En esta ocasión, la aventura, las batallas y la épica se han quedado en otra parte, ya que no logramos ponernos en la piel del personaje (interpretado por Karl Urban), ni emocionarnos ante los hechos que presenciamos.

Uno de los pocos aspectos que destacaría es la fotografía, ya que Daniel C. Pearl dota a las imágenes de una oscuridad interesante (que también puede sacar muchos detractores), que logra camuflar un poco las carencias del guión y de la realización, pero que dejan bellas estampas en las retinas del espectador.

Juan Carlos Fresnadillo vuelve a los cines y logra salir por la puerta grande.

Si ya con su cortometraje «Esposados« se dio a conocer, y posteriormente con «Intacto« demostró de lo que era capaz, con «28 semanas después« nos regala una secuela que bien podría incluirse en el selecto club de «segundas partes mejores que las primeras».

El argumento es sencillo, y nos cuenta la situación de Londres veintiocho semanas después del brote de «ira» que hizo estragos entre la población, y que pudimos ver en «28 días después«.

Con un inicio de película frenético, rápido y angustioso, Fresnadillo nos coloca en la piel de Don (Robert Carlyle), y en cómo vivió el brote y lo que tuvo que dejar atrás.

En ese arranque se nos muestran algunas imágenes muy impactantes y con gran fuerza, como la carrera que tiene que darse Don por las praderas, mientras cientos de zombies le persiguen.

Posteriormente ya se nos presenta la situación actual, al resto de personajes y vamos viviendo los acontecimientos que se desatan tras el nuevo brote infeccioso.

Dejando de un lado las posibles lecturas sobre la situación que acontece en Inglaterra, y los problemas que se originan en las familias, gobiernos y demás dilemas morales, Fresnadillo opta por mostrarnos una película muy rápida, en la que abunda la cámara en movimiento y el grano en las imágenes, dándole un toque más cercano en algunos momentos.

Otra virtud es el uso de la cámara subjetiva, ya que nos coloca en la visión de los protagonistas, especialmente en la escena en que los niños y la mujer bajan por las escaleras del metro, totalmente a oscuras y únicamente sirviéndose para ver de la mirilla infrarrojos del arma que llevan. En esos momentos me recordó a «El proyecto de la bruja de Blair«, cinta que logró alcanzar un realismo y angustia pocas veces conseguida anteriormente.

El guión y la historia flojean en algunas situaciones, pero Fresnadillo logra salvar sin que se resienta excesivamente la película.

La ausencia de gente, las aglomeraciones, las decisiones de los altos mandos y de los francotiradores, el viaje por una desértica Londres a bordo de un ciclomotor o la carnicería del helicóptero, son algunas de las secuencias que conforman «28 semanas después«, y que hacen que la temática zombie continúe su resurgimiento, tras las recientes buenas propuestas que nos hemos ido encontrando.

Esta secuela hará las delicias de los aficionados al género y de todos aquellos que quieran ver una propuesta interesante y consecuente con lo que pretende.

De nuevo nos llega el simpático Ogro verde envuelto en otra aventura rodeado de su séquito, compuesto por Asno y Gato con Botas.

«Shrek Tercero« baja el nivel alcanzado con las anteriores propuestas, ya que la historia sufre algunos altibajos que resienten la estructura global, pero aun así, Chris Miller nos muestra partes muy interesantes, como el reclutamiento por parte de Encantador en la taberna de los «despojados», o malos malísimos de los cuentos clásicos, o su presentación como actor de café teatro.

El sueño de Shrek convirtiéndose en padre, la subtrama de Asno y Gato con Botas, el lecho de muerte del Rey, y algunas otras secuencias, hacen que acercarse hasta las salas para ver esta película no sea en balde, pero los más exigentes se sentirán un poco decepcionados con esta aventura.

Los efectos siguen por sus fueros, logrando crear unos reinos muy buenos, y unas puestas en escenas a modo de teatro (acto final) muy logrados, por lo que en ese aspecto encandilarán a los espectadores.

La banda sonora esta formada por temas de Harry Gregson-Williams compuestos para la ocasión, así como un buen número de canciones que completan esta obra.

En definitiva, la originalidad y frescura que supuso «Shrek« nos queda en un lugar muy muy lejano respecto a esta tercera entrega.