alvaro oliva

Rupert Wainwright (Stigmata) se atreve con el remake de La Niebla de John Carpenter (uno de mis directores favoritos), y la verdad es que no sale nada bien parado, ya que el resultado es desastroso.
En esta ocasión los protagonistas de la película son rostros muy conocidos de la pequeña pantalla, como son Tom Welling (Superman en la serie Smallville) y Maggie Grade (Shannon en Perdidos). Esto sumado a que el cine de terror siempre es atractivo para la gente joven, hace que el producto sea rentable ya que por ahora en nuestro país está teniendo buena acogida. Otra cosa es que cinematográficamente sea un bodrio pero mientras dé beneficios parece que no importa.
La razón por la que acudí a ver este despropósito era ver lo que hacían con una historia muy interesante y que Carpenter supo llevar muy bien. En esta nueva versión, los personajes, si es que se les puede llamar así, no hacen nada, no sienten nada, no nos hacen compartir con ellos lo que está sucediendo, es decir que estamos en nuestra butaca observando como van de un lado para otro intentando que creamos que están en situaciones de vida y muerte, y por si alguien se despista, ya están los efectos de sonido para intentar lograr que nos asustemos, y lo hacemos pero no precisamente con el objetivo que ellos buscaban.
Seguir comentando esta película sería tan absurdo como ir a verla, pero si sois muy amantes del género y tenéis curiosidad por ver el resultado de la transformación, como dice el refrán, el que avisa no es traidor.

En esta ocasión nos encontramos con otro biopic acerca de un músico famoso, y no es otro que Johnny Cash. El responsable de esta película es James Mangold (Indentidad, Kate & Leopold, Cop Land) que se ha rodeado de un extraordinario reparto encabezado por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon que dan vida al famoso guitarrista y compositor y a su pareja June Carter.

Últimamente estamos bastante acostumbrados a ver películas de este tipo (Ray, Capote, Alí) en las que nos acercamos a distintas etapas de los protagonistas. En este caso una infancia dura y un gran problema con las drogas, así como la doble relación de Johnny con su esposa y con su compañera de gira, son los principales argumentos que Mangold ha escogido para darnos a conocer un poco más de cerca la vida de este artista. Contada en flashback, la película comienza y termina con su concierto más famoso: el ofrecido en 1968 en el penal de Folsom.

Junto a él aparecen otros cantantes legendarios, ya que compartían gira y sello discográfico, como son Jerry Lee Lewis, Elvis Presley y Roy Orbison.

La historia nos puede ser más o menos cercana, lo mismo que el estilo musical pero lo que no se puede negar es que Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon nos hacen estar viendo una historia real, en la que entendemos sus grandezas y miserias y las dificultades que encuentran a su relación. Este es el mayor aliciente, el ver la gran labor y la buena dirección de actores que tiene esta película. Hay mucha gente que dudaba del talento de esta actriz de aspecto risueño, y al que tantas veces da pie con comedias románticas y comedias un poco absurdas, pero para los que no hubiesen sabido ver que esta chica es ante todo una gran artista, en esta ocasión les quedará demostrado, ya que muchas veces se tiene la absurda manía de pensar que porque un actor sea muy bueno en los registros cómicos, no tiene porque no serlo en los dramáticos.

En definitiva una película recomendada para amantes de la música, de los biopics y de las buenas interpretaciones.

El amor siempre es un tema muy recurrente en el cine, ya que con él se pueden hacer mil y una historias, que aunque tengan un nexo común siempre pueden ser diferentes. En este caso Giovanni Veronesi nos cuenta las cuatro fases que forman el manual del amor:
El enamoramiento, la crisis, el engaño y el abandono.
Cada una de ellas protagonizada por distintos actores pero que forman de nexo unos a otros. Un modo original de introducirnos a este manual es que un personaje inicia la historia poniendo su voz para una versión del manual que se pondrá a la venta en las librerías italianas y que dará pie a un nuevo cambio en la vida de uno de los personajes, pero vayamos por partes.

Este arranque nos mete directamente en lo que vamos a ver a lo largo del metraje, y en lo primero que nos centramos es en «el enamoramiento« (traducido como el flechazo).
Con una original propuesta en la que se alternan voces en off y comentarios directamente a cámara, Veronesi nos cuenta el flechazo y posterior romance de dos jóvenes romanos, Tommaso y Giulia., en el que asistimos y compartimos las peculiares situaciones y los comportamientos que tienen los jóvenes al inicio de sus relaciones.
En esta simpática y tierna historia se nos introduce a la hermana de Tommaso que a su vez es la persona que nos introdujo en la película y que a su vez nos la cerrará formando parte de la cuarta historia.
«La crisis« nos presenta a un matrimonio que ronda los cuarenta años, y en el que la monotonía y el paso del tiempo ha hecho que vaya extinguiéndose la llama del amor. En esta pareja, Barbara y Marco, ella es quien intenta dar soluciones y él es el que las va desmoronando y descartando con el consiguiente rechazo y aumento del problema. Una situación a la que llegan y que es muy típica es la de intentar solucionar los momentos difíciles con tener un hijo, algo que Marco muy acertadamente contesta que no es la mejor solución, que primero se resuelven las crisis y luego se tienen los hijos, y no al revés como hace todo el mundo. A pesar de todo esto hay situaciones muy cómicas aunque en el fondo sean trágicas.
Una policía municipal será nuestra próxima protagonista, Ornella, nos cuenta cómo las cifras en Italia respecto a la infidelidad son de asombro, llegando al 80% en los hombres y al 60% en las mujeres. Este episodio, como no, se titula «el engaño« y asistimos a la ruptura temporal que sufre su matrimonio cuando descubre a su marido con la profesora de su hijo. A partir de ahí, Ornella descargará su furia poniendo multas de tráfico a todos los hombres que encuentre, y como no, una de esas víctimas es la protagonista de la última historia:
«El abandono« Goffredo es un médico que ha sido, como bien dice el título, abandonado por su mujer. No contento con ello y tras ver que es imposible la reconciliación, descubre en la librería el manual d´amore, que se vende en fascículos separados y Goffredo escoge el que le toca.
Haciendo caso de los consejos decide empezar a cuidarse y a buscar entre sus antiguos amores, dando pié a nuevas situaciones cómicas que tienen su colofón en la aventura frustrada que tiene con su enfermera. Tras su abatimiento y desesperación por las situaciones que le acontecen, Goffredo decide irse a la playa y es aquí dónde se cierra el círculo de la película, ya que por fin conoce a una chica que le llena y le hace volver a sentir lo que es el amor.

Sin duda esta comedia italiana es de lo mejor que ha llegado a nuestras pantallas en los últimos meses y que recomiendo a todo el mundo que quiera disfrutar, reírse y conocer las etapas que nos descubre este manual del amor.

Gore Vervinski se atreve a con este drama tragicómico tras haber superado el terror con The Ring (La señal), la aventura con Piratas del Caribe y la road movie con The Mexican.
Lo interesante de esta nueva propuesta es que se trata de una película bastante atípica. No llega a convencer del todo, pero nos hace reflexionar sobre muchos aspectos de la vida. Nicolas Cage es un hombre que tiene mucho éxito en su trabajo pero en su vida no está muy realizado. Tiene problemas con la gente, desconocidos que le tiran comida cuando le ven por la calle, y los más importantes: con su familia.
Michael Caine interpreta a su padre (lo cual ya es un aliciente) con el que tiene una buena, aunque compleja relación. Luego se encuentran sus hijos, su ex mujer y el novio de esta.
David Spritz (Nicolas Cage) es el hombre del tiempo de una televisión local, al que pueden fichar para una de las cadenas nacionales, con el consiguiente aumento de sueldo y lujos que ello conlleva. Hasta ahí bien, pero por otra parte es un hombre apático, irritado, metepatas, un personaje que acaba cayéndote bien y del que sientes compasión en muchos momentos por lo inepto que llega a ser. Pero no todo es malo en él, lo que pasa que se le suelen torcer las situaciones. Intenta ayudar a su hija, ofreciéndola distintas aficiones que ella rechaza por completo, como por ej. El tiro con arco. Dicha afición se convertirá en bálsamo para todos sus problemas y le ayudará a relacionarse un poco mejor con la gente, ya que suele ser muy irascible con cualquier persona que le reconoce y le preguntan cómo va a estar el clima. También intenta volver con su ex mujer pero no obtiene éxito con sus estrategias.
También Vervinski nos ofrece el lado positivo y negativo de ser un rostro popular. Lo duro que es el colegio cuando eres pequeño y no te amoldas a los estereotipos habituales, como ocurre con la hija de Cage; y así como la confianza y las acciones que hay que hacer por nuestros familiares.
En definitiva «El hombre del tiempo« es una película curiosa e interesante, que no va a llegar a todo el mundo, como ocurrió con «A propósito de Schimdt« y «Extrañas coincidencias«.

El mundo es un pañuelo pero no tanto. Digo esto porque la película de Paul Haggis (guionista de Million Dollar Baby) transcurre en la ciudad de Los Angeles y nos centra en la vida de unos personajes a modo de historias cruzadas. Es de sentido común que se tengan que interrelacionar, pero hay muchas veces que no parece natural que en una ciudad con tantos millones de habitantes, aunque estén en los mismos barrios se encuentren los personajes una y otra vez. Para casar el guión está bien, pero no para lograr que el espectador se lo crea.
Aparte de esto Haggis consigue reunir a un magnífico elenco de actores, que logran subsanar las pequeñas deficiencias que encontramos y nos llegan a hacer pensar en cómo actuaríamos, y en si el racismo está tan extendido, y en que no siempre unos son buenos y otros malos, sino que depende de la situación en la que nos encontremos.
El tema está claro, pero abunda demasiado, por lo que llega a saturarnos, con tanta imposición en determinados momentos.
El título toma como referencia el punto de partida de la película, en la que hay un accidente de tráfico, y parece que es a base de golpes el único modo de lograr que la gente reaccione en una ciudad en la que no hay casi contacto entre las personas.
A todos aquellos espectadores que disfruten con las películas de este estilo (Vidas Cruzadas o Magnolia) y que además quieran ver algo serio, con personajes que tienen sentimientos y situaciones muy intensas, en las que hay momentos y mensajes que hacen pensar y conocer como está la sociedad actual (bajo la visión de este escritor canadiense) que no duden en acercarse a ver esta película coral, ya que como poco es interesante.

Esperaba más de esta película ya que tuvo el honor de abrir la pasada edición del festival de Venecia y por consiguiente uno podía intuir que se iba a encontrar ante una gran historia como me ocurrió con Tigre y Dragón de Ang Lee o Hero de Zhang Yimou.
He de decir que la nueva obra de Tsui Hark ha sufrido demasiados recortes, ya que originalmente se acerca a las cuatro horas de duración y la versión que hemos podido ver llega a los ciento veinte minutos. Aunque a muchos se les han hecho demasiado largos. Y digo esto porque ya desde las primeras imágenes la percepción en cuanto a lo que va a ver cambia. Es decir, se presenta a unos guerreros caza recompensas que van a decapitar a un poblado, hasta ahí todo va bien, lo que pasa que al verles maquillados y con unas armaduras bastante estrambóticas hace que te salgas un poco de la historia. Luego la trama discurre en que ese grupo va a intentar aniquilar una pequeña villa y éstos recurren a siete guerreros para que los protejan.
Demasiados personajes sin profundizar, historias de amor y problemas internos que no se explican, batallas que no acaban de enganchar y situaciones en las que el diálogo y su repetición hacían al público morirse de risa ante lo que estaba viendo.
En definitiva Siete espadas es una obra recomendada para todos aquellos que sean seguidores de este director y/o muy amantes del cine de artes marciales.

De nuevo vuelve Peter Jackson a las pantallas, y de nuevo con una super producción de la que sale airoso y con sobresaliente.
Solamente hay que ver su maestría en las primeras imágenes, en esos minutos en los que nos muestra con tres pinceladas la situación del Nueva York de esa época para a partir de ahí empezar a formar esta historia que ya se ha convertido en clásico y su protagonista en icono. Me estoy refiriendo al gorila, aunque Jackson también pasará a ocupar un gran lugar en la historia del cine.
Sin duda lo mejor de la película es la recreación de este gigantesco simio, recreación interpretada por Andy Serkis que nos ofrece un doble papel haciendo también del marinero/cocinero tuerto.
El principal acierto además de contar con un gran patrón, es reunirse de gente con talento, y en este viaje estamos rodeados de ellos. Desde el reparto encabezado por Naomi Watts, Jack Black, Adrien Brody… hasta James Newton Howard componiendo la banda sonora, logrando que no echemos de menos a Howard Shore que abandonó su tarea, pasando por todos los equipos que componen la película.
Hablando de equipos, el de efectos especiales tiene un gran peso en la película. He de decir que hay determinados momentos en que se me hacían evidentes algunos planos trucados, es decir que se notaba que no era real, pero bueno, a su favor diré que hay otros que son simplemente impresionantes. Sobre todo la parte final en el Empire State en la que se siente el vértigo de estar ahí arriba y todo el ataque aéreo que está mostrado de una forma impecable y que hace que la gente viva ese momento en sus butacas.
Sin duda King Kong es la película de las navidades y al igual que su protagonista, esta nueva versión va a dejar huella.