Nombre del autor:Álvaro Oliva

Blog del director cántabro Álvaro Oliva. Aquí encontraréis información sobre sus trabajos (cortometrajes, documentales, videoclips, eventos sociales, publicidad, etc.), así como críticas de películas, crónicas y demás artículos. Para cualquier consulta: alvaroolivafilms@gmail.com.

Una vida por delante

En estos tiempos que corren en los que las carteleras suelen estar cargadas de películas de acción y repletas de efectos, se agradece encontrar propuestas como la nueva obra del sueco Lasse Hallström.

Los que conozcan la filmografía de este director («Â¿A quién ama Gilbert Grape?», «Las normas de la casa de la sidra», «Atando Cabos» o «Chocolat») podrán encontrar nuevamente muchos de sus rasgos característicos y a esos personajes que buscan autoredimirse y olvidar las culpas que les atormentan para lograr así una estabilidad que llevan tiempo intentando encontrar. En este caso nos encontramos con el gran Robert Redford que es un hombre distinto desde el día en que murió su hijo, Jennifer López es su nuera, a la cual culpa del trágico suceso y Morgan Freeman es su intimo amigo. A este trío de personajes hay que sumar otro pilar básico en la relación, Becca Gardner que interpreta a la nieta. Tanto Redford como ella desconocían de su existencia, y gracias a los instintos paternales que afloran en el personaje, logran que poco a poco vaya mejorando la situación.

Las interpretaciones y el estilo clásico son lo mejor de la película, que probablemente con otro director y actores no tan notables no pasaría de ser otro film más.

Es muy interesante la metáfora y analogía que se establece entre el protagonista y el oso. Ya que para liberar sus pecados tiene que enfrentarse de nuevo a él y cómo a través de los consejos de Morgan Freeman va mejorando todo pese a la negativa del protagonista de «Dos hombres y un destino».

También hay una parte dedicada al amor y al desamor en la que Jennifer Lopez es el centro de atención.

En definitiva «Una vida por delante» es una buena muestra de que el cine no tiene porque cambiar de plano cada segundo, ni explosionar edificios, ni sacar gente desnuda para entretener, aunque no digo que los citados ejemplos sean malos, pero no es el tipo de cine al que nos tiene acostumbrado el director nórdico ni el que suele preferir la gente mayor.

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El Secreto de los Hermanos Grimm

La nueva película del ex miembro de los Monty Piton es básicamente un cóctel explosivo en el que han intentado mezclar humor, terror, aventura y las fábulas de los cuentos infantiles que todos conocemos. El problema de juntar tantos ingredientes es que el resultado no siempre es lo que se pretende y en esta ocasión ha salido bastante insípido.

Está claro que Terry Gilliam es un director atrayente o por lo menos su currículum así lo atestigua, junto a él están dos de los jóvenes más interesantes del panorama actual como son Matt Damon y el australiano Heath Ledger, y la siempre espectacular Monica Bellucci. Todo esto a priori y tal como se está desarrollando nos hace prever que será un éxito de taquilla pese a que se podría haber sacado mucho más de esta producción.

Un punto a favor es la elección de Peter Stormare, al que muchos no reconocerán por su nombre pero su rostro se les hará familiar, encarnando al sanguinario y torturador miembro del ejercito francés.

Para el que no sepa de que va la película, los hermanos Grimm llevan su farsa de cazafantasmas a cada pueblo en el que supuestamente hay algo paranormal, hasta que se trasladan a uno en el que los hechos no son provocados por ellos, sino que pesa realmente una maldición. Una vez allí tratarán de encontrar a las niñas desaparecidas y salvar al aterrorizado pueblo, contando con la ayuda de una valiente aldeana interpretada por Lena Headey.

Hay momentos en los que afloran nuestros recuerdos infantiles gracias a las apariciones de personajes de cuento que todos hemos oído hablar, aunque hay otras que se hacen bastante incomprensibles y que parecen metidas con calzador.

Otro problema/acierto es que no tiene un público determinado, ya que pueden acudir niños, jóvenes y padres sin que realmente llegue a satisfacer a ninguno, pero no por ello dejará de sumar recaudación.

El que antaño realizase grandes y curiosas películas como «12 monos», «Brazil» o «El rey pescador» en esta ocasión parece más un director de encargo que un particular creador.

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Tapas

Da gusto ir al cine y encontrarse con una buena película. Disfrutar de la historia, de los personajes, de las situaciones, de los diálogos, verse reflejado en ellos o encontrar esas situaciones tan cercanas. Todo ello lo encontramos en Tapas, la película de José Corbacho y Juan Cruz que acaba de ganar en el reciente festival de Málaga el premio a mejor película, a mejor actriz (Elvira Mínguez) y el del público.

Siguiendo con el famoso debate de cine español vs. Americano recomendaría a todos aquellos que no optan por las películas nacionales, que se pasen a verla y después juzguen, a ver si siguen opinando eso de que el cine español es una… Es cierto que no puede hacer la competencia al esperado Episodio III pero no por ello hay que discriminarla. La dirección de Corbacho y Cruz es excelente, con un reparto que está sensacional. Desde Ángel de Andrés a María Galiana, pasando por Rubén Ochandiano, Darío Paso y con una extraordinaria Elvira Mínguez.

Digo que es una película cercana puesto que los sentimientos y las situaciones que ocurren estamos bastante acostumbrados a vivirlas. Todos o la mayoría sabemos lo que es enamorarse y lo que se siente al encontrarse en ese estado y lo que viene cuando se rompe esa relación. También nos ocurre que aunque veamos el problema no hacemos nada por evitarlo hasta que es demasiado tarde, la dejadez y la pereza, la vergüenza por el que dirán, las envidias y la mala leche de la gente. Las distintas etapas de la vida y cómo se viven dependiendo de la fase en la que te encuentres. Lo que se llega a hacer por otras personas, caso de María Galiana que se pone a trapichear con pastillas para dar satisfacción a su marido enfermo.

Espero que la gente acuda a verla porque sinceramente Tapas es una película que merece ser vista y en ningún caso tendremos la sensación de que nos han atracado al pagar el precio de la entrada.

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Descubriendo Nunca Jamás

La imaginación y el intentar ver más allá de lo que tenemos enfrente siempre ha sido una propuesta interesante y bastante necesaria para los escritores y creadores en general, como es el caso de James Mathew Barrie, el autor de Peter Pan, interpretado por el magnífico Johnny Depp.

La dirección de Marc Foster se vuelve a notar y tras lograr que Halley Berry ganase el Oscar a la mejor actriz por su anterior película, «Monster´s Ball», hace lo propio dirigiendo a «Eduardo Manostijeras» que ha obtenido recientemente un globo de oro y una nominación a mejor actor en los Oscars. El resto del reparto está compuesto por Kate Winslet, Dustin Hoffman, Julie Christie y unos pequeños grandes actores que encarnan a los hijos de la protagonista de «Titanic».

La inspiración puede llegar en cualquier momento y para el protagonista llega en forma de una viuda y sus cuatro hijos. A partir de ahí entabla una relación muy interesante con ellos. Marc Foster completa esta historia mostrándonos lo importante que es y cómo una persona puede llegar a transportar a otras a unos mundos maravillosos por medio de su imaginación. También es muy interesante la relación que establecen los personajes de Johnny Depp y Kate Winslet, ya que entre ellos hay una «necesidad» de estar juntos pero en unos niveles distintos a los habituales.

La gente va madurando con los años, como es lógico, pero no hay que olvidar a ese niño que tenemos dentro y algunas veces es necesario un pequeño empujón, para darnos cuenta de ello. Tal como sucede en el teatro de la película, cuando la clase alta de la sociedad acude a ver el estreno de Peter Pan, y gracias al ingenio de J.M Barrie y a unos pequeños invitados, logra sacar sentimientos que de otro modo no admitirían tener.

En definitiva una película tranquila con grandes momentos y que nos hace recordar lo bonito que es ser niño y dejarse llevar por la imaginación.

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Llamada perdida

La nueva película de Takashi Miike nos llega a rebufo de la masificación del género que inició «The Ring» de Hideo Nakata.

Particularmente soy un gran aficionado al género fantástico y de terror pero excepto la citada «pionera», el resto de películas orientales («Dark Water», «La maldición», «The Eye»…) me defraudaron bastante, porque son un lenguaje distinto, una mentalidad distinta que creo no encaja demasiado entre nosotros, pese a que las citadas películas hayan tenido buena aceptación en taquilla. Y para colmo ahora están con los remakes, aunque el dirigido por Gore Verbinski estuvo bien, el próximo estreno titulado El grito, no creo que tenga tanta suerte.

Centrándonos en «Llamada perdida», el director de «Audition», nos presenta una historia que a priori podría ser interesante, pero que poco a poco se va diluyendo. Es curiosa la forma que tiene la gente de aceptar y de interpretar las cosas, puesto que en la sala se oían bastantes carcajadas, y debo de decir que en ciertos momentos eran justificadas, como al final de la película con el caramelo, aunque no creo que Miike pretendiese ese efecto, pero a saber…

Es una película sin mucha pretensión, alternando secuencias que por lo visto anteriormente, le hubiese gustado incrementar en violencia y excentricidad, pero que para las salas comerciales no son recomendables, y con algunos toques de humor como la secuencia del programa de televisión así como cierta crítica, mostrando lo que son capaces de hacer las cadenas por tener un poco más de share en la programación.

En definitiva, la propuesta de Takashi Miike no hace más que engrosar la lista de películas orientales, que la verdad no vamos a recordar, pero que volveremos a ver en una futura versión americana.

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Resident Evil: Apocalypse

Tras el éxito de la película de W.S Anderson se decidió hacer esta segunda parte, contando para ello con la actriz que protagonizó «Resident Evil», Milla Jovovich. En esta ocasión Anderson firma el guión y deja la dirección a Alexander Witt, director de segunda unidad de películas como «Daredevil», «Piratas del caribe» o «The Italian Job».

Junto a la protagonista de «El quinto elemento» nos encontramos a Sienna Guillory («La máquina del tiempo») y a Oded Fehr («Gigoló») que juntos intentarán rescatar a la hija de un científico a cambio de que les guíe hacia la única vía de escape de la ciudad.

Recientemente ha habido otras películas con temática similar, como «veintiocho días después» y «Amanecer de los muertos». Respecto a ésta última tiene algunas secuencias parecidas, aunque sin la gracia y el acierto que producía en la película protagonizada por Sarah Polley.

«Resident Evil: Apocalipsis» nos mete de lleno en el caos que se produce en la ciudad tras extenderse el virus y Alexander Witt nos sume en un ritmo atronador tanto de planos por segundo como de golpes de sonido, haciendo que ni se puedan seguir las acciones ni disfrutar de la situación. Por otra parte utiliza a menudo distintas estéticas, desde pequeños ralentíes hasta cambiar el punto de vista (situándonos en la visión de las criaturas) cosa que hace que no lleguemos a meternos en la piel de los protagonistas ni de tomar conciencia del peligro que sufren.

La nota de humor intenta ponerla el personaje del delincuente afro americano, que si logra sacar alguna sonrisa entre tanto caos, pero que tampoco importa mucho.

En definitiva tras el buen recuerdo que me dejó la primera parte y tras pasarlo bien viendo la belleza de Milla poco más hay que decir de esta película en la que los zombies son bastante lentos, aparecen unos monstruos bastante curiosos, el super Némesis terminator y los perros infectados que configuran una película que deja bastante que desear. Y que en algunos momentos hace hincapié en ciertos aspectos críticos de la sociedad actual pero que no llega a desarrollar ni rematar.

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Hipnos

El debut de David Carrera Solé es una película que combina el thriller con el terror, acercándose a títulos como «Los sin nombre» o «Darkness», pero el resultado es muy desconcertante.

Basada en la novela homónima de Javier Azpeitia, nos cuenta como una joven psiquiatra, interpretada por Cristina Brondo («Diario de una becaria», «Una casa de locos»), llega a un novedoso y solitario sanatorio en el que deberá atender varios casos.

La película juega mucho con la atmósfera que crea a través de las imágenes y especialmente de la música y efectos sonoros. Táctica que resulta, aunque a veces se nota artificial.

El montaje de Frank Gutierrez («En la ciudad», «Lo mejor que le puede pasar a un cruasán») nos hace más confusa la película, algo que quiere el director, ya que juega con las voces en off, con sueños, visiones de cosas que realmente no ocurren, flashes y montajes de planos muy cortos en el tiempo.

Cristina Brondo, uno de los atractivos, realiza una interpretación irregular, debido también al guión, pero en algunos momentos logra expresar y nos hace comprender lo que está sintiendo, aunque en otros momentos solo la vemos pasearse. Un actor a destacar es el mejicano Demian Bichir («Sin noticias de Dios», «Santitos») que encarna a Miguel, uno de los enfermos del centro, que realiza un trabajo muy interesante.

En definitiva «Hipnos» es una película irregular, que acaba por confundir a la mayoría de los espectadores, con una estética interesante, y con algunos momentos de tensión y bien logrados pero que no logran sacar adelante lo que en el trailer parecía algo sugestivo.

La parte positiva es que poco a poco se van realizando incursiones en este género, por lo que tenemos la esperanza de que se vaya mejorando y acabemos haciendo buenas películas.

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El mito de Bourne

Paul Greengrass el director de la excelente «Domingo Sangriento», se ha encargado de la continuación de «El caso Bourne».

Tengo que decir que no he podido ver la primera parte, pero espero verla, ya que Doug Liman («Viviendo sin límites», «Swingers») es un director que me encanta.
Así que voy a comentar lo que me ha parecido esta película sin hacer referencias ni comparaciones con la primera parte.

Matt Damon realiza un papel muy interesante, moviéndose por intentar encontrarse a si mismo y entender porque es quien es, e intentándose vengar de un hecho muy doloroso para él.

Greengrass dota a la película de un ritmo bastante vertiginoso, con un uso casi constante de la cámara al hombro llegando al éxtasis en secuencias como la persecución en coche, la cual tiene un gran numero de planos por minuto, e incluso por segundo.

En definitiva una película recomendable para los amantes del cine de acción y con los llamados antihéroes como protagonistas.

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Cuestión de pelotas

El debut de Rawson Marshall Thurber es una comedia con el especialista del género Ben Stiller (Algo pasa con Mary) como protagonista y productor.

Cualquier espectador que vaya a ver esta película saldrá contento, ya que no se le va a engañar, ni se va a encontrar cosas diferentes a las que se ven en el trailer. Es una comedia gamberra, con tópicos, con algunos diálogos absurdos y con grandes cameos (no quiero desvelarlos). Las risas están garantizadas y más aun con el aspecto que luce Ben Stiller, que ya solo con verle hace que sonrías. El resto del reparto con Vince Vaughn («Aquellas juergas universitarias») y otros rostros conocidos, entre los que destaca Rip Torn («Hombres de negro») hacen muy llevadera la hora y media de metraje.

La película muestra las distintas perspectivas y actitudes de Stiller y Vaughn, cada uno con un gimnasio pero con una filosofía muy distinta. Stiller profesa el culto al cuerpo, la perfección, la utilización de los quirófanos etc, mientras que Vaughn se muestra como un tipo amable, que nos da el consejo de que cada uno tiene que estar contento como es, que hagan deporte para estar más sanos y encontrarse mejor, pero con calma, sin obsesionarse etc. Algo que se debería publicitar más en todos los medios, ya que las obsesiones por llegar a la perfección no son buenas para nadie.

Destacaría la dirección artística: ya que los uniformes de los distintos equipos, el aspecto de los dos gimnasios, las distintas casas… son muy diferentes y muy interesantes.
«Cuestión de pelotas» es un claro ejemplo del nuevo estilo de comedia americana, popularizado por los Hermanos Farrelly («Amor ciego», «Yo, yo mismo e Irene») que poco tienen que ver con las grandes comedias clásicas («Historias de Filadelfia», «La fiera de mi niña», «Arsénico por compasión»).

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Open Water

La nueva película de Chris Kentis (Grind) es una producción de bajo presupuesto en la que además de la dirección, se ha encargado de firmar el guión, de montarla y de la fotografía de la misma.

Al ver el trailer en los cines, la película me interesó por diversos motivos:
Prácticamente se desarrolla en una única localización, con dos personajes, una situación no muy habitual y la esperanza de estar en tensión durante la escasa hora y veinte que dura la película. Pero una vez vista tengo que decir que me ha defraudado. Mucho se ha dicho sobre si era una mezcla entre Tiburón y The Blair witch project pero ni tiene la maestría de Spielberg y su saber del lenguaje cinematográfico, ni la revolución, inteligencia y tensión que provocó la película más rentable de la historia.

El problema también viene por la propaganda: en el trailer pudimos contemplar los típicos rótulos en los que varios críticos y periódicos nos ponían a Open Water como la máxima expresión artística de la tensión, y casi como una verdadera obra maestra.

Pues la película comienza con los pequeños problemas de la pareja por culpa del trabajo y como se marchan de vacaciones a hacer submarinismo. Una vez que emergen de las profundidades ven que no está el barco que los ha llevado hasta ahí. El inicio no está mal, es interesante aunque no demasiado ya que contiene algunas escenas que no vienen muy a cuento. Pero tras encontrarse en medio de alta mar y abandonados, los escasos cambios que se producen hacen que la película se diluya. Los puntos de cambio son bastante simples y lo que ocurre en cada acto viene a ser igual. Es cierto que si usas algo mucho tiempo pierde su efecto, pero se podía haber jugado más tiempo con los tiburones o con otros problemas que les ocurriesen. Una buena idea que aparece en escasos minutos es una breve discusión en la que se echan en cara problemas de su relación, como es el trabajo de ella y que por eso tuvieron que elegir estas vacaciones, pero ahí termina todo. La teoría de su autodestrucción por medio de su palabra más que por la naturaleza, hubiese estado interesante. Para terminar, tiene un final que deja bastante que desear.

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