alvaro oliva

El mito de Bourne

Paul Greengrass el director de la excelente «Domingo Sangriento», se ha encargado de la continuación de «El caso Bourne».

Tengo que decir que no he podido ver la primera parte, pero espero verla, ya que Doug Liman («Viviendo sin límites», «Swingers») es un director que me encanta.
Así que voy a comentar lo que me ha parecido esta película sin hacer referencias ni comparaciones con la primera parte.

Matt Damon realiza un papel muy interesante, moviéndose por intentar encontrarse a si mismo y entender porque es quien es, e intentándose vengar de un hecho muy doloroso para él.

Greengrass dota a la película de un ritmo bastante vertiginoso, con un uso casi constante de la cámara al hombro llegando al éxtasis en secuencias como la persecución en coche, la cual tiene un gran numero de planos por minuto, e incluso por segundo.

En definitiva una película recomendable para los amantes del cine de acción y con los llamados antihéroes como protagonistas.

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Cuestión de pelotas

El debut de Rawson Marshall Thurber es una comedia con el especialista del género Ben Stiller (Algo pasa con Mary) como protagonista y productor.

Cualquier espectador que vaya a ver esta película saldrá contento, ya que no se le va a engañar, ni se va a encontrar cosas diferentes a las que se ven en el trailer. Es una comedia gamberra, con tópicos, con algunos diálogos absurdos y con grandes cameos (no quiero desvelarlos). Las risas están garantizadas y más aun con el aspecto que luce Ben Stiller, que ya solo con verle hace que sonrías. El resto del reparto con Vince Vaughn («Aquellas juergas universitarias») y otros rostros conocidos, entre los que destaca Rip Torn («Hombres de negro») hacen muy llevadera la hora y media de metraje.

La película muestra las distintas perspectivas y actitudes de Stiller y Vaughn, cada uno con un gimnasio pero con una filosofía muy distinta. Stiller profesa el culto al cuerpo, la perfección, la utilización de los quirófanos etc, mientras que Vaughn se muestra como un tipo amable, que nos da el consejo de que cada uno tiene que estar contento como es, que hagan deporte para estar más sanos y encontrarse mejor, pero con calma, sin obsesionarse etc. Algo que se debería publicitar más en todos los medios, ya que las obsesiones por llegar a la perfección no son buenas para nadie.

Destacaría la dirección artística: ya que los uniformes de los distintos equipos, el aspecto de los dos gimnasios, las distintas casas… son muy diferentes y muy interesantes.
«Cuestión de pelotas» es un claro ejemplo del nuevo estilo de comedia americana, popularizado por los Hermanos Farrelly («Amor ciego», «Yo, yo mismo e Irene») que poco tienen que ver con las grandes comedias clásicas («Historias de Filadelfia», «La fiera de mi niña», «Arsénico por compasión»).

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Open Water

La nueva película de Chris Kentis (Grind) es una producción de bajo presupuesto en la que además de la dirección, se ha encargado de firmar el guión, de montarla y de la fotografía de la misma.

Al ver el trailer en los cines, la película me interesó por diversos motivos:
Prácticamente se desarrolla en una única localización, con dos personajes, una situación no muy habitual y la esperanza de estar en tensión durante la escasa hora y veinte que dura la película. Pero una vez vista tengo que decir que me ha defraudado. Mucho se ha dicho sobre si era una mezcla entre Tiburón y The Blair witch project pero ni tiene la maestría de Spielberg y su saber del lenguaje cinematográfico, ni la revolución, inteligencia y tensión que provocó la película más rentable de la historia.

El problema también viene por la propaganda: en el trailer pudimos contemplar los típicos rótulos en los que varios críticos y periódicos nos ponían a Open Water como la máxima expresión artística de la tensión, y casi como una verdadera obra maestra.

Pues la película comienza con los pequeños problemas de la pareja por culpa del trabajo y como se marchan de vacaciones a hacer submarinismo. Una vez que emergen de las profundidades ven que no está el barco que los ha llevado hasta ahí. El inicio no está mal, es interesante aunque no demasiado ya que contiene algunas escenas que no vienen muy a cuento. Pero tras encontrarse en medio de alta mar y abandonados, los escasos cambios que se producen hacen que la película se diluya. Los puntos de cambio son bastante simples y lo que ocurre en cada acto viene a ser igual. Es cierto que si usas algo mucho tiempo pierde su efecto, pero se podía haber jugado más tiempo con los tiburones o con otros problemas que les ocurriesen. Una buena idea que aparece en escasos minutos es una breve discusión en la que se echan en cara problemas de su relación, como es el trabajo de ella y que por eso tuvieron que elegir estas vacaciones, pero ahí termina todo. La teoría de su autodestrucción por medio de su palabra más que por la naturaleza, hubiese estado interesante. Para terminar, tiene un final que deja bastante que desear.

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El último beso

La última película de Gabriele Muccino nos llega con cierto retraso, ya que fue estrenada en 2001, pero las cosas buenas se hacen esperar y este es un claro ejemplo.

Las películas que entrelazan historias de varios personajes siempre me han gustado y aquí nos centra el protagonismo en cuatro amigos y en todos los problemas y conflictos que les surgen debido a la relación con sus parejas, y con el sentimiento de cómo están viviendo sus vidas y que deben hacer con ellas. La edad es algo que importa bastante y vemos las pequeñas diferencias que existen a la hora de tomar decisiones y en el modo de pensar que hay entre los protagonistas, que rondan los treinta, una joven de dieciocho y la madre de una de las protagonistas que ronda los cincuenta.

La película recibió el premio del público en el festival de Sundance de 2002 y también cuenta con cinco premios David de Donatello entre los que destaca el premio a mejor dirección. Este premio se refleja en la buena dirección de actores y en una fresca planificación y estilo, en el que abundan los movimientos de cámara, que se hacen fluidos, encadenando situaciones y en el uso del salto de eje, justificado claramente y varias veces, en la charla de la madre protagonista con su ex amante.

Otro aspecto a destacar es la banda sonora, tanto la creada por Paolo Buonvino como las canciones que aparecen.

En definitiva es una película cómica que combina el drama por las situaciones y las reflexiones que propone muy destacable y que lamentablemente no estamos acostumbrados a ver en las carteleras. Tengo que decir que cuando vi el trailer no me interesó demasiado y que no creo tenga mucha taquilla junto a todas las producciones de Hollywood, pero para todos aquellos que busquen otro tipo de películas, «El último beso» es una buena elección, que supongo agradecerán.

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Por Amor al Arte

La nueva propuesta de Neil LaBute («Posesión», «Persiguiendo a Betty», «Amigos y vecinos») está producida y protagonizada por Rachel Weisz («La momia, Enemigo a las puertas») a la que acompañan Paul Rudd («200 cigarrillos», «Fuera de onda») y Gretchen Mol («Nivel 13″, «Celebrity»).

La película tiene varios puntos interesantes, como contar solo con cuatro personajes, con buenos actores, con una historia que tras verla entera y reflexionar un poco, hace que mejore la experiencia de haberla visto y con algún detalle más pero aun así no merece el aprobado o siendo muy benevolentes, un aprobado muy justito. Y digo todo esto por lo siguiente: el inicio de la película nos presenta a Rachel Weisz, una «artista» que está en un museo saltándose las normas y que pretende pintar una escultura. A su vez está Paul Rudd, trabajador del museo, el cual intenta que Rachel no haga nada raro. Se conocen, se gustan y empiezan a salir juntos. Rachel domina a Paul haciendo que cambie su aspecto y transformando también su actitud. Para ver ese cambio, el director y guionista nos presenta a Paul Rudd como el típico tímido, que no sabe que decir a la chica, que no sabe como comportarse, o lo que es lo mismo, cae en el tópico. Y al caer en el tópico, las situaciones y diálogos a los que el espectador tiene que asistir son bastante insufribles. Como decía anteriormente, un punto a favor es que cuenta con buenos actores, pero si no tienen un guión que tenga buenos personajes o si no se les dirige como debería pues ya no hay garantía, con esto no digo que todos estén mal, porque Gretchen Mol hace una buena actuación, pero los papeles de los protagonistas no son para destacar.

La película se hace lenta, y entiendo que hay que ver una transformación del personaje, su distanciamiento con sus amigos, la relación y la personalidad de la novia etc pero podrían haber buscado otro modo de hacerlo más ameno e interesante, porque muchas situaciones se me hacían claros guiones, me explico, yo que suelo escribir, notaba o me veía a mi mismo escribiendo esas secuencias, no notaba la naturalidad, sino que me llevaba al estado del escritor creando la secuencia.

El punto más interesante es la reflexión que se crea en la parte final, y que no voy a desvelar para los que quieran verla. También me queda decir que las canciones corren a cargo de Elvis Costello.

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El despertar

Las películas en las cuales el protagonista se puede mover en el presente y en el pasado siempre parten con un problema de guión, y con el pensamiento de que si interferimos en el pasado obtendremos consecuencias en el futuro.

Esto es lo que intenta Simon Cable, Ryan Phillippe («Gosford Park», «Sé lo que hicisteis el último verano») que tras despertarse en un hospital no recuerda nada de los últimos dos años y va intentando averiguar que es lo que ha ocurrido con su hermano, con su mujer y con su amante. En otro momento se despierta en el mismo hospital pero dos años antes y la confusión y el desconcierto se apodera de él, ya que intenta reconstruir el puzzle de su mente e intentar evitar la muerte de su hermano, la cual desconocía. El final de la película es coherente con lo que sucede ya que de otro modo no se podría explicar demasiado bien, pero recuerda en exceso a una conocida producción que no voy a nombrar para no desvelar nada.

Roland Suso Ritcher («Un túnel hacia la libertad») dirige esta producción en la que nos encontramos a Ryan Phillippe, Piper Perabo («El bar coyote»), Sarah Polley («Mi vida sin mi») y Stephen Rea («Juego de lágrimas») entre los protagonistas. Hay que decir que en el trabajo actoral no hay grandes interpretaciones y que el único papel con un poco de doble juego es el de Piper Perabo a la cual vemos en su faceta de enfermera tímida y en otro más agresiva aunque esto no es garantía.

Michael Cooney adapta su propia novela «Point of death» en la que nos traslada junto al protagonista, intentando encajar las piezas y estando a su altura y nivel de conocimientos en lo que es una búsqueda de la verdad. Un aspecto a destacar es la música de Nicholas Pike.

En fin, que «El Despertar» es una película interesante en la que se mezcla presente y pasado, en la que descubrimos lo ocurrido al final de la misma y que puede sorprender, pero no pasará a la historia del cine, como la mayoría de las películas actuales.

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Basic

Así se titula la nueva película de John McTiernan («La jungla de cristal», «Depredador», «El guerrero número 13″, «Rollerball») en esta ocasión la historia transcurre en Panamá, donde un grupo de Rangers han ido a hacer unos ejercicios y solo han regresado dos de sus integrantes con vida.

Uno de ellos en perfecto estado (Brian Van Holt) y otro con un tiro en el cuerpo (Giovanni Ribisi). La misión de descubrir que ha ocurrido recae en la teniente Osborne interpretada por Connie Nielsen («Gladiador») pero el interrogado se niega a hablar con cualquiera a no ser que venga un Ranger de fuera de la base, por lo que llaman a John Travolta como favor personal, ya que es uno de los mejores interrogadores que hay. Ex Ranger y ahora agente de la D.E.A, suspendido e investigado por aceptar supuestos sobornos, acepta encargarse de la investigación junto a la teniente Osborne, con quien flirteará.

La película comienza bien, mostrándonos el punto de vista de los 2 supervivientes y las posibles hipótesis de lo acontecido, haciendo que el espectador vaya decidiendo quien dice la verdad o que haría si se encontrase en la situación del bunker de Panamá.

Lo mejor de este inicio es ver al Sargento Nathan West interpretado por Samuel L. Jackson dando instrucciones y haciendo a sus discípulos pensar en porque se metieron en eso, en especial a Taye Diggs («Go!», «Chicago»). En estos momentos me iba recordando a «Sospechosos habituales», pero se acabó el parecido, aquí James Vanderbilt (guionista) comienza a dar giros al argumento hasta llegar a marear al espectador más atento. Como consecuencia, la película se resiente bastante y lo que había comenzado bien, acaba bastante mal.

En el trabajo actoral solo destacaría a Samuel L. Jackson y a Taye Diggs (cada vez más en alza y con un futuro bastante prometedor). Giovanni Ribisi roza la sobreactuación como el soldadito débil y el resto de las interpretaciones no destacan, ya que tampoco hay personajes como para ello.

Es una película con trampa y engañosa para el espectador, que tras verla puede que esté un rato dándole vueltas, pero que a las tres horas se le habrá olvidado con facilidad.

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Kilómetro 666

Crítica de Kilómetro 666.

La nueva película de Rob Schmidt («Asesinato en Suburbio») es una cinta de terror que pretende emular a grandes títulos cómo «Las colinas tienen ojos» de Wes Craven y «La matanza de Texas» de Tobe Hooper.

El planteamiento es parecido: un grupo de chicos que tras tener un accidente de coche encuentran la casa de la desfigurada familia. A partir de aquí, persecuciones y asesinatos hasta el final que en este caso deja una puerta abierta a «KM 666 el retorno». La baza de la película es que la produce Stan Wilson, el creador de las criaturas de «Aliens», «Depredador» y «Terminador». Aunque en este caso las criaturas (humanos con malformaciones genéticas debido al incesto durante generaciones) me recordaban en exceso a los orcos de «El señor de los anillos».

El guión no tiene nada de novedoso y no hay grandes giros ni sorpresas en el argumento. Además cuenta con frases típicas como: – ¿sabéis lo que ocurre en las películas? «“ y situaciones como la de que el protagonista aguante toda la odisea con un tiro en la pierna y no se desangre (eso sí, era médico).

Los asesinos tras capturar a la protagonista no se sabe por qué, la dejan vivir hasta que su compañero va a rescatarla. Pequeños detalles que disminuyen la calidad final. A su favor diré que tiene momentos de tensión y que te hace pensar en si esto puede llegar a suceder, ya que en países tan grandes como EE.UU y por carreteras alejadas de la mano de dios, te puedes encontrar de todo.

La dirección de actores no destaca. Pese a la historia, los cuatro protagonistas rozan el aprobado, aunque nos encontramos con personajes insufribles, como la pareja de amigos que son asesinados al quedarse vigilando en el coche, y el par de escaladores, que abren la película siendo las primeras víctimas en pantalla.

Ahora está de moda hacer remakes (tras varios en los últimos años de «La matanza de Texas» y uno futuro de «Las colinas tienen ojos») aunque realmente deberían ponerse a producir nuevos trabajos que tengan algo de original ya que los remakes quedan a años luz del original y están haciendo que perdamos las pocas esperanzas que tenemos en este gran género.

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Bon Voyage

Crítica de Bon Voyage.

Jean-Paul Rappeneau («Cyrano de Bergerac», «El húsar sobre el tejado»)dirige esta comedia de enredos enmarcada en la Francia de 1940. Bajo el contexto de la ocupación y el avance de las tropas de Hitler, los personajes interpretados por Isabelle Adjani, Virginie Ledoyen, Yvan Attal, Gerard Depardieu y Peter Coyote interactúan constantemente.

La dirección de Rappeneau está muy presente en la película, ya que los actores, el diseño de producción, el guión están muy cuidados. Si a todo esto le sumas 5 buenos actores, el resultado es bueno. La película ha sido seleccionada por la Academia francesa para que les represente en los Oscars. Particularmente me ha gustado, pero pese a tener buenos ingredientes, no es una película que recordaré mucho tiempo.

El inicio está marcado por Viviane (Adjani) una actriz que utiliza su fama y su belleza para hacer lo que quiere de los hombres. Tras sufrir un accidente acude a su viejo amigo Frédéric, que la ayuda y desafortunadamente asume la culpa, siendo enviado a prisión. Tras fugarse e ir en su búsqueda, interactúa con el resto de personajes que se van ayudando entre ellos ya que todos tiene el mismo destino, Burdeos.

Allí las situaciones se desbocan, mostrándonos de paso el caos que produce estar en situación de guerra y cómo a algunas personas, no parece influirles mientras otras están en la calle sin tener a dónde ir.

Está muy bien la secuencia en la que Depardieu invita a comer a Yvan Attal, y uno de los comensales cree reconocerle como el asesino del hombre por el que fue encarcelado. Ese comensal resulta ser ni más ni menos, que el sobrino del fallecido y con estos ingredientes la trifulca está montada. Excelente elección de actor para ese personaje. También hay que destacar al personaje del señor mayor que vive en la casa dónde se quedan a vivir, y que lee apasionado la novela-diario que ha estado escribiendo el protagonista.

Los personajes que tienen que ser simpáticos resultan simpáticos, los que tienen que ser desagradables (caso de la actriz que interpreta Adjani) son desagradables, en este caso mostrando el modo en que algunas mujeres solo viven para conseguir lo que quieren y como chupan de sus víctimas hasta obtener lo que quieren, para luego ir hasta otro objetivo, personaje totalmente opuesto al de la encantadora Virginie Ledoyen.

Veremos si es seleccionada en los Oscars, personalmente prefiero «Soldados de Salamina» de David Trueba.

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El enviado

Crítica de El enviado.

Nick Hamm («The Hole») dirige este thriller de terror, aunque realmente no da miedo por ningún lado, en el que a una familia se le da la posibilidad de clonar a su hijo recién muerto en un accidente.

Tras las iniciales dudas, la familia acepta y el niño vuelve a tener una infancia como la que tuvo, pero a partir del día de su muerte, empiezan a ocurrir situaciones y fenómenos que los padres no entienden y desconocen.

En el reparto nos encontramos con Greg Kinnear («Premonición», «Persiguiendo a Betty», «Pegado a ti») y Rebecca Romijn-Stamos («X-men», «Femme Fatale», «Rollerball») en el papel de los padres, y con el gran maestro Robert De Niro (no hace falta decir sus películas) que encarna al doctor que sugiere y lleva a cabo la proeza de clonar al hijo. Pese a tan buen reparto, la película no da para mucho ya que parte de un guión bastante flojo, que no profundiza en personajes y en el que las situaciones de tensión y miedo son escasas y solo se llega a ellas mediante el susto.

Este nuevo proyecto de Nick Hamm nos recuerda a la película «Cementerio Viviente» ya que en el fondo nos cuenta la misma historia y el mismo tema: no se puede jugar a ser Dios y no se puede devolver a la vida las cosas muertas y si se logra, ya no volverán a ser como antes.

Otro aspecto que parece estar de moda desde hace años («El sexto sentido») es incluir a un niño dentro de los personajes principales, pero en vez de parecernos intrigante ya nos cansa y se ha vuelto tópico. Otros directores lo explotan a modo de comedia («Scary movie 3″) con mejores resultados.

En definitiva «El enviado» no merece la pena ni por ver a Robert De Niro, que últimamente ha perdido el norte en cuanto a papeles de calidad, cierto es que a nadie le viene mal el dinero, y menos las cantidades que manejan en Hollywood, pero en fin, que es una película bastante mediocre en la que no consiguen nada de lo que se proponen.

En el reparto nos encontramos con Greg Kinnear («Premonición», «Persiguiendo a Betty», «Pegado a ti») y Rebecca Romijn-Stamos («X-men», «Femme Fatale», «Rollerball») en el papel de los padres, y con el gran maestro Robert De Niro (no hace falta decir sus películas) que encarna al doctor que sugiere y lleva a cabo la proeza de clonar al hijo. Pese a tan buen reparto, la película no da para mucho ya que parte de un guión bastante flojo, que no profundiza en personajes y en el que las situaciones de tensión y miedo son escasas y solo se llega a ellas mediante el susto.

Este nuevo proyecto de Nick Hamm nos recuerda a la película «Cementerio Viviente» ya que en el fondo nos cuenta la misma historia y el mismo tema: no se puede jugar a ser Dios y no se puede devolver a la vida las cosas muertas y si se logra, ya no volverán a ser como antes.

Otro aspecto que parece estar de moda desde hace años («El sexto sentido») es incluir a un niño dentro de los personajes principales, pero en vez de parecernos intrigante ya nos cansa y se ha vuelto tópico. Otros directores lo explotan a modo de comedia («Scary movie 3″) con mejores resultados.

En definitiva «El enviado» no merece la pena ni por ver a Robert De Niro, que últimamente ha perdido el norte en cuanto a papeles de calidad, cierto es que a nadie le viene mal el dinero, y menos las cantidades que manejan en Hollywood, pero en fin, que es una película bastante mediocre en la que no consiguen nada de lo que se proponen.

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