Crítica de «Enemigos públicos»

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La nueva y esperada película de Michael Mann nos ofrece, a priori, unos ingredientes muy interesantes y atractivos pero parece ser que pese a ello no le ha quedado un producto redondo.

Gangsters, Johnny Depp contra Christian Bale, Marion Cotillard y la historia de John Dillinger hacían preveer un espectáculo de grandes dimensiones, y sí, la película es grande, pero en metraje.

Michael Mann es un director que ha conseguido una fama justificada gracias a sus anteriores, y magníficas, películas pero que no acaba de remontar el vuelo. Atrás quedan esas grandes producciones como «Heat» y «El último mohicano«.

Lo que sigue manteniendo es la atmósfera digital, la cual es muy protagonista en la película que nos ocupa, y que en vez de favorecer, a mi modo de ver, resta credibilidad.

La historia y el personaje de John Dillinger son lo suficientemente potentes para arrastrarnos a las salas de cine, y más si está protagonizado por uno de los actores más carismáticos del cine actual como es Johnny Depp. Lo que pasa es que el desarrollo se hace ligeramente largo y pesado.  Pese a todo ello, «Enemigos públicos» contiene grandes secuencias y momentos que no la hacen pasar desapercibida y que merecen nuestro visionado.

Marion Cotillard es un claro ejemplo. La actriz francesa interpreta a la novia del famoso delincuente, otorgándonos una interpretación sobria y convincente. Johnny Depp también está muy correcto. Hay quién la tacha de su mejor interpretación, con lo que no estoy de acuerdo. Christian Bale asume el papel de antagonista, con un personaje frío que no deja mucho a la vista. Billy Cudrud es otro de los nombres propios de la película, interpretando magistralmente a J. Edgar Hoover.

Sorprende la cantidad de «cameos» de actores famosos como son Lili Taylor, Stephen Dorff, Shawn Hatosy y un largo etcétera.

La puesta en escena, y demás apartados técnicos, logran ambientar y recrear la América de los años treinta con gran verosimilitud.

En resumen, «Enemigos públicos» es una original propuesta que nos acerca a la vida de John Dillinger, de la mano de un gran director como es Michael Mann. Lo que ocurre es que no acaba de dar la puntilla logrando así una película que no consigue sobresalir en exceso.

Crítica de «Pagafantas»

Cartel de la película

Cartel de la película

El merecido debut del cortometrajista Borja Cobeaga llega a nuestras pantallas precedido del éxito cosechado en el pasado Festival de Cine de Málaga, en el que obtuvo el Premio de la Crítica y el Premio «Alma» al mejor guión novel.

Sin cambiar de género, Cobeaba vuelve con una comedia  sugerente, en la que priman más las situaciones en detrimento del chiste fácil y obsceno que tanto hemos visto recientemente.

La mayor virtud de esta producción es el casting. Gorka Otxoa y Sabrina Garciarena conforman una perfecta pareja protagonista, a la que secundan de manera extraordinaria Óscar Ladoire y Kiti Manver. También tienen su participación otros dos rostros muy conocidos como Julián López y Ernesto Sevilla, realizando de la misma manera unas interpretaciones muy correctas que se complementan  y aumentan la calidad de la propuesta.

La historia de «Pagafantas» es bastante simple, la del típico chico que se enamora de su amiga, la cual solamente le ve de esa manera, como un amigo al que poder abrazar y contar sus penas.

Otro de los aciertos de la película y del guión son los pequeños episodios explicativos de los términos que nos ocupan. Rodados a modo de documental cutre, podemos comprender que es «hacer la cobra» o «el lémur». Una pena que no hubiese alguno más a lo largo de todo el metraje, ya que sin duda son un gran acierto.

Secuencias disparatadas a la vez que cómicas como la fiesta sorpresa, la persecución o el karaoke harán las delicias del público, ya que logran arrancarnos las sonrisas (y carcajadas) con gran facilidad, algo que no es nada sencillo de conseguir.

Puede que el guión se resienta en algún momento ya que no deja de ser una historia algo simple y que nos muestra que hay personas que no logran cambiar pese a que se lo propongan. No obstante «Pagafantas» no pretende ser una obra de gran trascendencia intelectual, es lo que es y lo cumple sobradamente.

En definitiva, una gran propuesta para nuestras carteleras y un brote de aire fresco para la filmografía patria. Estaremos atentos al próximo proyecto del director nominado al Oscar.

Crítica de «Terminator Salvation»

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La cuarta, y esperadísima, película de la saga Terminator ya está entre nosotros. Y es que Terminator es más que una simple producción. Para la mayor parte de jóvenes de la generación de los 70 y 80, «Terminator» ha crecido con nosotros. Innovó y rápidamente pasó a ser un objeto de culto y referente de una cultura, con algunos iconos que pasarán a la historia. Además, fue el papel (junto al de Conan) que dio la categoría de estrella al hoy Gobernador de California, Arnold Schwarzenneger.

Tras una tercera parte un tanto floja, principalmente por el casting para interpretar al malo de la película, aunque a su favor he de decir que tuvo un final que remontó el mal sabor de boca que nos estaba dejando, «Terminator salvation» ha vuelto a crear ilusión en los espectadores, ya que la presencia de un actor de la talla de Christian Bale interpretando a John Connor, ya es sinónimo de calidad.

Con un aspecto diferente, esta cuarta entrega se presenta como el preámbulo y punto de partida de una nueva serie de películas que nos acompañarán durante las próximas décadas.

McG es el responsable de dirigir esta nueva propuesta. El que antaño dirigiese «Los Ángeles de Charlie» se pone el mono de trabajo y nos ofrece una secuela muy digna, en la que los principales aciertos, aparte del dúo protagonista, están en la estética y fotografía de la película.

Poco se puede decir de Christian Bale, actor ultra meticuloso que es famoso por meterse en la piel de todos sus personajes y que ya protagonizó un pequeño escándalo en el rodaje de esta misma película al ser distraído por un miembro del equipo de fotografía.

Junto al protagonista de «Batman begins» se encuentra Sam WorthingtonRogue«) quién compone un personaje bastante interesante y que conforma lo más atractivo de la entrega, robándole bastante protagonismo al bueno de Bale.

El apartado femenino está compuesto por Bryce Dallas Howard, Moon Bloodgood y Helena Bonham Carter, quienes cumplen en sus respectivos papeles sin que sea ninguno de ellos merecedor de demasiadas atenciones.

He comentado el apartado visual de la película y es que es un acierto la estética polvorienta y post apocalíptica con que se ha impregnado la producción. Rodado en Alburquerque, Nuevo México, la imagen y el estado del mundo nos ayudan a entender mejor la situación a la que se enfrentan. Tanto la ubicación subacuática en la que se encuentra Michael Ironside como la ciudad desértica y en ruinas en la que sobrevive Anton YelchinStar Trek«), quién interpreta al padre de John Connor.

El guión es la parte que queda un poco olvidada en detrimento de los efectos, y es que pese a tener una historia entretenida y mostrarnos la evolución y supervivencia de los pocos humanos que quedan, es el punto más flojo de la producción.

«Terminator salvation» no es la mejor película de la saga, y es que el trabajo hecho por James Cameron y Schwarzenegger (amén del resto del equipo técnico y artístico de las dos primeras partes) es muy difícil (por no decir casi imposible) de superar, pero nos sitúa en una posición de privilegio de cara a un futuro, ya que Christian Bale encarna a un perfecto John Connor y el nuevo estilo visual puede hacer resurgir con gran fuerza la mayor aventura contra las máquinas que nos ha dado el cine en los últimos tiempos.

Crítica de «Gordos» – Daniel Sánchez Arévalo

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Obviamente no debo de ser el único que tenía muchas ganas de ver la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo, y más, tras haber debutado con AzulOscuroCasiNegro, una de las mejores óperas primas nacionales.

Pues bien, hace ya unas semanas que pude asistir al preestreno en Santander, en el que estuvieron Daniel y la mayor parte del equipo artístico, sin lugar a dudas uno de los platos fuertes de la película.

“Gordos”, como bien definen sus creadores, es una comedia sobre los excesos y las carencias de la vida. Los complejos, las fobias, las obsesiones, los traumas, los errores, los miedos, la culpa, los deseos, las ilusiones, los retos, los compromisos, las metas, las relaciones, el amor, el sexo, la salud, la familia… La supervivencia, en el más amplio y orondo sentido de la palabra.

Daniel aprovecha las opciones que brindan las películas corales para ofrecernos un cúmulo de situaciones que nos harán reír y llorar, ya que toca la comedia y el drama en numerosos momentos del metraje, sin que la mezcla de géneros afecte al resultado de la película quedando en tierra de nadie.

Antonio de la Torre se erige como el verdadero protagonista de la historia, siendo él el que nos marca el devenir de las situaciones y el que nos mantendrá al tanto con sus 4 puntos de adelgazamiento y que deberemos seguir para completarnos a nosotros mismos y a la película.

En el apartado actoral, Sánchez Arévalo vuelve a conseguir sacar lo mejor de cada uno de ellos, si bien ya muchos son viejos conocidos del director, otros lo hacen por primera vez. En esta propuesta había una doble dificultad, y es que la mayoría de los actores tuvieron que engordar muchos kilos para poder dar credibilidad a sus personajes.

El que más tuvo que sufrir parece ser que fue el genial Antonio de la Torre, quién se dice que experimentó un incremento de 33 kilogramos. Sea cierto o no, su aspecto es realmente impresionante.

Poca gente va a descubrir ya lo buen actor que es el malagueño, pero en “Gordos” tienen una nueva oportunidad para corroborarlo.

Raúl Arévalo, Verónica Sánchez, Teté Delgado, Roberto Enríquez, Roberto Álamo, Pilar Castro o Fernando Albizu son algunos de los protagonistas que aportan credibilidad a la historia y que forman parte de ese universo creado alrededor de la terapia.

No me quiero olvidar de Leticia Herrero, a la que todo el mundo está poniendo por las nubes, y no es para menos. Aparte de haber tenido que hacer una transformación física tan considerable como la de Antonio de la Torre, la actriz debutante logra una interpretación que la convertirá en un rostro cada vez más escogido en el cine español. Su doble vertiente (cómica y dramática) hace que sus secuencias con Raúl Arévalo sean parte de algunos de los momentos más delirantes de la película.

“Gordos” confirma a Daniel Sánchez Arévalo como uno de los directores más interesantes del panorama actual, capaz de crear grandes momentos y de sacar lo mejor de sus actores.

Pese a todo esto, “Gordos” no se hace tan llevadera como su ópera prima, ya que hay algunas partes que se hacen algo lentas, lo cual es más fácil de observar al saber que vamos a ver cuatro partes presentadas por el gran maestro de ceremonias (y programas de televisión) interpretado por Antonio de la Torre.

“Gordos” guarda muchas semejanzas con su anterior película, lo cual no deja de ser algo normal en la evolución de este director que seguirá dando mucho de que hablar.< ><–>

Crítica de «Millennium1: Los hombres que no amaban a las mujeres»

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Cartel de la película

De nuevo llega a nuestras pantallas la adaptación de un best seller. En este caso del malogrado Stieg Larsson, quién ha revolucionado las librerías con su trilogía “Millennium”.

Los hombres que no amaban a las mujeres” es el primer volumen. Niels Arden Oplev sale airoso del envite, con una película muy interesante en la que nos introduce en las intrigas y misterios alrededor de la familia Vanger, los cuales tendrá que resolver el periodista Mikael Blomkvist, acompañado por la enigmática Lisbeth Salander.

Sin nada que envidiar a otros thrillers de las últimas décadas, la primera parte de esta trilogía nos enmarca en la fría Suecia, dotada de una atmósfera inquietante a la cual sabe sacar todo el provecho, y en una investigación que nos hará prestar atención en todo momento para no perder el hilo de lo que se está contando.

El hecho de no tener grandes estrellas en su reparto aumenta la sensación de realismo, algo apoyado también desde la dirección, ya que Niels Arden nos presenta una película dura, que evita los edulcorantes. No llega a ser Lars Von Trier ni Michael Haneke pero tiene alguna escena que puede parecer fuerte al espectador.

Michael Nyqvist y Noomi Rapace son los actores protagonistas de esta historia, los cuales llevan el peso de manera correcta.

Desconozco la novela, pero por lo que parece la versión cinematográfica está haciendo las delicias de los lectores, algo que no siempre suele ser así. Y lo que también es importante, está haciendo que mucha gente se anime a leerlas.

En definitiva, “Millenium1: los hombres que no amaban a las mujeres” se presenta como un gran thriller. Logra entretener y mantener la atención, al tiempo que toca temas importantes, con una factura visual que no tiene nada que envidiar a las superproducciones americanas, aunque esto cada vez es más normal.

De momento nos esperan las dos próximas películas que conforman la trilogía, y todo hace preveer que serán un éxito.

Crítica de «El Intercambio»

Cartel de El Intercambio

Clint Eastwood vuelve a demostrarnos que es uno de los mejores directores que hay en activo en estos momentos. En «El Intercambio«, nos propone una dirección sobria, clásica, en la que sobresalen los actores en una historia realmente sorprendente y que cuesta creer que haya ocurrido, por la gravedad de los hechos.

Angelina Jolie se erige como el buque insignia de la película, pero junto a ella nos encontramos actores dándolo todo como John Malkovich y Jeffrey Donovan. Atención a este último, ya que conforma un personaje odioso, lo cual reafirma la gran labor del director de «Mystic River«.

Jason Butler Harner también compone un personaje a destacar. Eastwood sabe rodearse de un gran equipo, eso está claro, pero también hay que saber dirigirlos.
Otro gran maestro como es Alfred Hitchcock siempre decía que trabajar con niños y animales era lo peor y más difícil del mundo, pues bien, aquí el bueno de Clint se rodea de unos chiquillos que nos dejan unas interpretaciones espectaculares.

Con un excesivo metraje, dos horas y media, «El Intercambio« nos presenta la trágica historia de Christine Collins, centrándose en ella pero dándonos otros márgenes de maniobra en los que la película fluye diversificando esa duración y componiendo una de las mejores producciones del 2008.

Una gran dirección artística nos ayuda a meternos en la historia, al situarnos en la ciudad de Los Angeles de los años 20 y 30.

En definitiva, «El intercambio« es una película que sobresale entre la mediocridad que abunda en las carteleras, y se mantiene como una gran título en una filmografía plagada de éxitos como es la del Sr. Eastwood.

Las mejores películas del 2008

El 2008 llega su fin y como suele ser habitual, por nuestras carteleras han pasado un montón de películas a lo largo de estos 12 meses. Desgraciadamente no todo lo que se produce llega a estrenarse o a tener una mínima distribución pero bueno, hoy no es día de quejas.

A continuación voy a hacer una pequeña lista con las películas que más me han gustado del año. Obviamente no he visto todas y hay algunas muy buenas que todavía no he podido visionar.

Aquí va mi pequeño listado:

    Tropa de élite
    Los cronocrímenes
    Fuera de carta
    Juno
    Kung fu Panda
    Escondidos en Brujas
    Vicky Cristina Barcelona
    Hacia rutas salvajes*
    El Intercambio**

*Pensaba que era de 2007
**Recién vista (peliculón de Eastwood)

¿Estáis de acuerdo? ¿Cuáles incluiríais vosotros?

Crítica de «Solo quiero caminar»

Crítica de Solo quiero caminar.

Agustín Díaz Yanes vuelve con una historia muy distinta a su anterior propuesta, «Alatriste», en la que retoma el personaje que encarnaba Victoria Abril en su ópera prima, «Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto«.

En esta ocasión recala todo el peso en 4 mujeres, 4 grandes actrices a las que acompaña el mexicano Diego Luna.

Rodada entre España y México, la mayor parte de la película transcurre en el «DF», impregnándose de esa atmósfera turbia que tiene la capital del país azteca y que tan bien le viene a la historia.

Ariadna Gil, Pilar López de Ayala, Elena Anaya y Victoria Abril son las protagonistas de una historia de delincuentes. Ladronas que se ganan la vida como pueden, inmersas constantemente en problemas.

De todas ellas la que sobresale tomando el control de la situación es Ariadna Gil, una mujer letal a la que Díaz Yanes dota de gran atractivo sensual y de un rol no muy establecido en nuestro cine.

Se ha dicho que mama de directores como Quentin Tarantino, y es bien cierto, ya que el personaje de Ariadna bien podría haber formado parte del escuadrón de Kill Bill.
Aunque todo esto parezca muy interesante, «Solo quiere caminar» irradia un halo de inverosimilitud en algunas de sus situaciones, lo cual hace desmerecer el resto de la propuesta.
La irregularidad se alterna con secuencias muy interesantes y atractivas que dejan paso a otros momentos en los que la lentitud se apodera del metraje.

Diego Luna es otro de los puntos fuertes de la película y es que este actor sabe dotar de credibilidad a sus personajes haciendo que merezca la pena ver las propuestas en las que está inmerso.

En definitiva «Solo quiero caminar» es una propuesta sugestiva y diferente que no acaba de cuajar del todo para convertirse en una gran película, pero que deja destellos dentro de un cine necesitado de ellos.

Crí­tica de «Tierra»

Narrado por Constantino Romero (en nuestra versión), «Tierra, la película de nuestro planeta« nos muestra los problemas y avatares que tienen que sufrir los animales para lograr sobrevivir.

Pese a que nos muestran más razas, los protagonistas de esta historia son tres: un oso polar, un par de ballenas jorobadas y unos elefantes.

Obviamente, hay un ente que toma todo el protagonismo, y no es otro que nuestro planeta, el cual poco a poco va perdiendo su facultad de darnos y proporcionarnos la vida, y a través de esta recopilación de horas de material, podemos apreciar cómo afecta y afectará a los habitantes de este bello (y poco cuidado) entorno.

La naturaleza muchas veces es cruel, y parte de esta ley de vida nos es mostrada en este documental, que tiene imágenes increíbles y de una belleza asombrosa, que merecen ser vistas en pantalla grande y no en televisión.

No obstante, el metraje se hace un poco pesado en determinados momentos.

En definitiva, «Tierra« se presenta como una opción muy interesante y diferente a las que solemos tener en las salas, y que merece ser vista por el excelente trabajo de grabación, por las situaciones extremas, por deleitarnos con maravillosas estampas, por ver la sufrida vida de algunos animales, y por concienciarnos un poco de lo que está sucediendo a nuestro alrededor.

La Profecía 666

Crítica de La profecía 666

Crítica de La profecía 666.

La hora de los remakes hace tiempo que ha empezado, y cual Apocalipsis las señales nos indican que la creatividad se ha extinguido y que es preferible tirar de títulos que antaño tuvieron éxito para intentar que se pegue algo y repetir fórmula en la actualidad. Lo «mejor» de esto es que cada vez hay más remakes de películas que no tienen ni veinte años de antigüedad.

En esta ocasión y con tan significativa fecha 6 del 6 del 2006, nos llega a las pantallas «La profecía« con el añadido en su título del consabido número maligno (666).

De primeras esta nueva revisión parte con desventaja, ya que la extraordinaria película de 1976 dirigida por Richard Donner, se ha convertido en un icono y en una de las mejores películas de miedo de la historia del cine.

A esto hay que sumarle el extraordinario reparto que tuvo la original, capitaneado por Gregory Peck y Lee Remick y presentando a Harvey Stephens como Damien. Nunca hubo un niño mejor escogido, ya que cualquiera que haya visto esta película recordará la cara de cabrón que tenía la «dulce» criatura.

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Otro aspecto fundamental de este clásico es la partitura que compuso Jerry Goldsmith, con la que logra ponernos los pelos de punta.

Así que John Moore se coloca el hábito e intenta que esta nueva versión no caiga en los infiernos. La verdad es que las comparaciones son odiosas y en este caso no habría rival, pero para todos aquellos espectadores que no hayan visto la primera y tomen a «La profecía 666« como una película nueva y original, se encontrarán con un producto digno y que los enganchará en su butaca, debido a la historia y a algunos sustos que introduce en determinados momentos de la historia.

Liev Schreiber y Julia Stiles forman el matrimonio que tiene que cuidar del pequeño Demian, interpretado por Seamus Davey-Fitzpatrick.

Crítica de La profecía 666

A este trío hay que sumar a Pete Postlethwaite (En el nombre del padre) y a Mia Farrow como la niñera.
La dirección de actores es correcta logrando el principal objetivo que es que nos lo creamos, aunque el niño hay algunas veces que no acaba de convencer del todo.

Ya que he hablado de Goldsmith, su «sustituto» es Marco Beltrami, compositor que se hizo conocido por la saga Scream, y que también cumple creando atmósfera interesante, aunque recurre de vez en cuando al susto, elevando la música y dando un golpe de efecto.

He de decir que un aspecto que destaca es la dirección artística, recalcando continuamente los colores rojos, tanto con elementos insignificantes y otros más explícitos como el vino (que se derrama en la escena del suicidio), las fresas que come Damien y que le dejan restos en la boca antes de cometer un acto que todos conocemos, también se recurre en las pesadillas que sufren los atormentados padres, en especial la madre. Y por último un detalle que aunque pasa inadvertido me parece que está demasiado explícito son las formas que han usado para empapelar la habitación de Damien, dejando ver las siluetas claramente los seises a modo de espigas de trigo.

En definitiva «La Profecía 666« es una entretenida película que hará las delicias de todos aquellos aficionados al género que no hayan visto la original, (aunque los realmente amantes del terror ya habrán visionado la obra maestra de Richard Donner), y para los que sí: pues una película más, con algunos momentos interesantes.